tag:blogger.com,1999:blog-22571075413305517952024-02-22T12:59:14.815-06:00Las Palabras SilenciosasAnonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.comBlogger37125tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-22300859260726184682014-08-03T19:57:00.002-05:002014-08-03T19:57:47.404-05:00Crítica: One Chance <div style="text-align: justify;">
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A menos de que estés hecho de piedra, hay ciertas arias de Puccini que son fisiológicamente casi imposibles de escuchar sin conseguir un nudo en la garganta. En <i>One Chance,</i> esa arma de la ópera se implementa con la puntería experta de David Frankel, conocido por <i>The Devil Wears Prada</i> y <i>Marley & Me</i>. El director nos cuenta, de una manera emocional, la historia real de la estrella de <i>Britain's Got Talent</i>, Paul Potts, con una película que, a pesar de ser totalmente predecible, es del agrado de toda la audiencia.</div>
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La actuación del tenor británico Potts, Nessun dorma, en el episodio debut de <i>Britain's Got Talent</i> en 2007 ha sido vista más de 115 millones de veces en YouTube. Ese nivel de exposición indica que la audiencia principal de la película ya sabrá cómo le fue al vendedor de teléfonos celulares de Gales del Sur en la última etapa del concurso y más allá. Pero Frankel y el guionista Justin Zachman tienen éxito en la formación de un material atractivo de una historia con un resultado predeterminado.<br />
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Esto es una sorpresa dado el historial de Zachman con la manipuladora <i>The Bucket List</i>, que él escribió, y <i>The Big Wedding</i>, una vergüenza que él también dirigió. Su guión para <i>One Chance</i> presiona todos los botones obvios en la singularidad, y sin embargo, tiene suficiente corazón genuino para mantenernos enraizados con el protagonista. Se nutre de la vena del cine británico como <i>The Full Monty</i> y <i>Billy Elliot</i>, en la que los personajes, golpeados por la adversidad y la disminución de la autoestima, se elevan por encima de la realidad de sus entornos, en este caso una pequeña ciudad industrial de Gales.</div>
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Gran parte del encanto de la película proviene de la actuación de James Corden como Potts. El actor es conocido por <i>Gavin & Stacey</i> y por su trabajo en <i>The History Boys</i> y <i>One Man, Two Guvnors</i>. Paul es un hombre con un corazón puro, aferrado a un sueño que muere y se regenera varias veces, y Corden juega con este material, potencialmente empalagoso, con el toque de luz ideal. Intimidado desde la infancia por su gordura y su amor por el canto, Paul presenta su vida como un drama sin fin lleno de música, violencia, romance y comedia. Su novia de Internet, Julie-Ann (Alexandra Roach), le da las agallas suficientes para ir a una escuela de ópera de Venecia, pero sus nervios lo traicionan en una clase magistral con su ídolo Pavarotti, cuya devastadora evaluación extingue la luz de Paul por un tiempo.<br />
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La depresión de Paul le provoca problemas con Julie-Ann, principalmente porque los convenios de los guiones dictan que es necesario que haya algún tipo de conflicto en el camino al matrimonio. El patrón de toda la cinta es que cada paso que se da adelante es seguido por una nueva desgracia que hacen a un lado las ambiciones de canto de Paul, pero su mayor obstáculo es la falta de confianza. Frankel sabiamente no se detiene en la experiencia de <i>Britain’s Got Talent</i>, que se recapitula usando clips reales del panel de jueces, sino que se centra más en el camino lleno de baches que llevó a Paul a los focos de la televisión. </div>
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Aunque algunos detalles del pasado de Potts fueron cambiados, su vida familiar antes del matrimonio revela un apoyo incondicional de su alegre madre (Julie Walters) y de su quejumbroso padre (Colm Meaney), un obrero metalúrgico. Ambos actores son divertidos a pesar de una gran cantidad de pleitos que suceden dentro de la cinta. En términos de proporcionar comedia y contexto, los roles están bien dibujados, como lo demuestra el mejor amigo y cotrabajador de Paul en la tienda de celulares, interpretado por Mackenzie Crook.<br />
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Pero la relación que es clave para el éxito de la película es la que existe entre Paul y Julie-Ann, quienes logran una interpretación cautivante, llena de humor suave. Su primera reunión cara a cara, es uno de los episodios más hermosos del filme, impecablemente interpretado por ambos actores. Junto con la selección aleatoria habitual de canciones contemporáneas, <i>One Chance</i> está llena de magníficos fragmentos de ópera, incluyendo las voces del verdadero Potts que Corden logra sincronizar perfectamente con sus labios.<br />
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-4963361639561701942014-07-06T16:16:00.000-05:002014-07-06T16:16:51.753-05:00Crítica: Bajo la Misma Estrella<div style="text-align: justify;">
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Lo más probable es que no quieras ver <i>Bajo la Misma Estrella</i> con alguien a quien quieras impresionar, ya que acabarás, ya sea en un río de lágrima o bien, con los ojos secos y convenciendo a la otra persona de que eres un psicópata. Esas son las únicas dos opciones. Este drama es una entrada destacada en un subgénero tristemente dominado hasta ahora en gran parte por películas como <i>Love Story</i> y las adaptaciones de Nicholas Sparks. Basada en la novela juvenil de John Green, la cinta logra trascender esas películas con una sólida dirección de Josh Boone (<i>Stuck in Love</i>), un guión de Scott Neustadter y Michael H. Weber (<i>The Spectacular Now</i>) que da en el clavo y un elenco casi perfecto.</div>
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Pero <i>Bajo la Misma Estrella</i> no es sólo una película para los adolescentes que buscan una conexión emocional más allá de SnapChat. Desde el principio, la protagonista Hazel Grace (Shailene Woodley) de 17 años de edad, se ve obligada por su madre (una absolutamente maravillosa Laura Dern) a asistir a un grupo de apoyo para niños que luchan contra el cáncer, y en medio de las historias inspiradoras conoce a Augustus Waters (Ansel Elgort) de 18 años de edad. Ellos aprecian inmediatamente el enfoque no siempre tan brillante y mutuo de vivir con la enfermedad. Hazel tiene cáncer en la tiroides, que ha establecido su residencia en sus pulmones y que la hace cargar con un tanque de oxígeno a donde quiera que vaya. Por su parte, Augustus está en remisión de osteosarcoma, pero el cáncer se llevó su pierna de atleta. Él cae rápido y duro por Hazle, pero ella insiste en ser solo amigos para no causar dolor a nadie más.<br />
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Los dos se vinculan gracias a su visión atípica de la enfermedad y por el gusto del libro favorito de Hazel, <i>An Imperial Affliction</i>. La película hace que admiremos a la protagonista por su ingenio e inteligencia al igual que lo hace Augustus. No debe sentirse revolucionario tener un personaje femenino joven así en una película como ésta, pero Hazel es refrescante, aunque sus intercambios con Augustus a veces se sienten demasiado guionizados y muy ingeniosos como para ser verdad. Los fans del libro estarán estar contentos con qué tan cerca la adaptación se ciñe a la historia original. Hay pequeños cambios que agilizan la narración, pero el corazón del libro late con fuerza en la pantalla. Con sus guiones anteriores para <i>The Spectacular Now</i> y <i>500 Days of Summer</i>, Neustadter y Weber ofrecen miradas atípicas al joven romance, y <i>Bajo la Misma Estrella</i> encaja bien con eso, ya que cuenta una historia de amor no estándar con grandes personajes.</div>
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Esos personajes son a su vez reforzados por los actores que los interpretan. Woodley se está convirtiendo en una de las actrices ideales para heroínas atípicas y no recibe ninguna queja por parte de nosotros. Ella capta la fuerza y debilidad de Hazel igualmente bien, interpretando a un complicado e imperfecto personaje que cautiva bastante. También quedamos encantados por Elgort; si sus líneas fueran dichas por otros actores menos talentosos, podríamos solo haber girado nuestros ojos en lugar de suspirar, pero afortunadamente ese no fue el caso. Junto con los esfuerzos desgarradores de Dern como la madre de Hazel, la estrella de <i>True Blood</i>, Sam Trammel, realiza una increíble labor como el padre. A pesar de que no sale tanto a cuadro, es interesante ver lo que hace cuando no está rodeado de vampiros y hombres lobo. Como el único amigo de Hazel y Augustus del grupo de apoyo, Nat Wolff (<i>Palo Alto</i>) es ingenioso al comunicar sus emociones de manera clara a pesar de tener que usar gafas de sol a lo largo de la película debido al cáncer en sus ojos.<br />
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<i>Bajo la Misma Estrella</i> gana puntos por ser más compleja y estilizada que la mayoría de las películas parecidas. Muchas cintas con esta clase de audiencia son sentimentales y manipuladoras, pero el filme de Boone nunca se siente como si estuviera intentando demasiado fuerte ganarse nuestras lágrimas o, en alguna ocasiones, risas. Te hará sentir como si te hubieran golpeado en el estómago pero al mismo tiempo reconoce que puede haber humor incluso en las peores situaciones. Es una entrada superior a la media en el género, ampliando su audiencia más allá de sólo los adolescentes, los fans de la novela original y los amantes de un buen llanto.<br />
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-39103478363185859162014-06-23T22:56:00.001-05:002014-06-23T22:56:32.798-05:00Crítica: Transcendence<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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La mejor manera de describir <i>Transcendence</i>, el primer largometraje dirigido por el director de fotografía de Christopher Nolan, Wally Pfister, es pensar en ella como un complemento de la película de romance de una inteligencia artificial de Spike Jonze llamada <i>Her</i>. Ambas cintas se llevan a cabo en un futuro no tan distante, en donde la línea entre la tecnología y la conciencia humana se ha vuelto infinitamente delgada. En las dos, un protagonista humano se enamora de una entidad digital, cuyo estado ontológico no es muy claro: ¿es una persona, sin un cuerpo vivo, cuyos recuerdos, pensamientos y sentimientos son codificados como datos en una máquina, una persona? En ambas películas, las consecuencias de este intento de amar a través de la barrera hombre-máquina son imprevisibles, de largo alcance, y potencialmente destructivas para el mundo civilizado.</div>
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<i>Transcendence </i>no es tan elegante, ingeniosa o perspicaz como <i>Her</i>. Pfister y el guionista Jack Paglen lidian de manera pesada con los problemas éticos y filosóficos en la premisa de la película. En realidad, ésta comienza bien, con una historia de ciencia ficción bastante ambiciosa, hasta que llega el desarrollo sin sentido del último acto, donde el filme se cae a pedazos. Johnny Depp interpreta a un visionario tecnológico solitario de nombre Will Caster, quien junto a su brillante y amada esposa Evelyn (la esbelta Rebecca Hall) ha creado una supercomputadora de nombre PINN, la cual está conformada por un cuarto entero lleno de servidores y procesadores que intenta emular la conciencia humana.</div>
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Las únicas dos personas vivas lo suficientemente listas para entender esta tecnología son el neurobiólogo amigo de los Caster llamado Max (Paul Bettany) y su antiguo colega Tagger (Morgan Freeman), un guru de la inteligencia artificial en un laboratorio de ciencia por computadora. Mientras que los Caster están dando una plática sobre las emocionantes implicaciones del mundo real de sus avanzados descubrimientos, el laboratorio de Tagger es destruido y su equipo completo es asesinado en una ataque de un grupo terrorista dirigido por una rubia decolorada Kate Mara, a quien muchas reconocerán de <i>House of Cards</i>.</div>
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En un segundo y casi simultáneo, ataque terrorista, Will es rozado por una bala que ha sido mezclada con radiación, haciendo que le queden pocas semanas de vida. Evelyn, que trabaja para salvarlo por todos los medios necesarios, hace una propuesta desesperada como último recurso: antes de que Will muera, codificarán su función cerebral, incluida su memoria, sus emociones y su lenguaje, en los servidores de PINN, para que su conciencia pueda vivir después de que su cuerpo físico esté muerto.</div>
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Suena como a un buen plan ¿verdad? Sin embargo, como Victor Frankenstein puede atestiguar, usurpar el lugar de Dios como el creador de la vida tiene una manera diferente de funcionar a como uno pensaría. A sólo unos minutos después de entrar en línea después de su muerte corporal, Will, a primera vista sólo como una línea de texto en una pantalla de computadora, solicita acceso a la información sobre el sistema bancario mundial y las bases de datos educativas. Estas luces de alerta pasan desapercibidas por el éxtasis de Evelyn, cuya alegría de reencontrarse con su amado es tal que destierra a su colaborador, Max, cuando expresa su escepticismo sobre los motivos de cualquier cosa o persona que está haciéndose pasar por Will.</div>
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En la segunda mitad de la película, Evelyn, quien se convierte en una de las mujeres más ricas del mundo gracias a las artimañas de Will, se muda a un pueblo desierto llamado Brightwood para construir un recinto científico en forma de secta que albergará la siempre en expansión y ambiciosa conciencia de su difunto marido. Es en estas escenas en donde Pfister presume los efectos a gran escala que mostró en las películas de Nolan como <i>Inception</i> y <i>The Dark Knight</i>. Muchos de ellos son espectaculares para la vista y el motor de romance que mueve la cinta hacia delante no es ni insulso ni sentimental. </div>
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Dejando a un lado los elementos de ciencia ficción, <i>Transcendence</i> cuenta la historia de una mujer compulsiva atrapada en una mala relación con un hombre muy poderoso, una situación que puede influir en el drama incluso si el hombre en cuestión no evoluciona a la velocidad de la luz en una conciencia digital omnisciente. Sin embargo, los últimos 20 minutos echan todo a perder, ya que probablemente nos llevan más a territorio de Nicholas Sparks de lo que probablemente el director tenía planeado y derrocha mucha de la buena voluntad del espectador en el camino. </div>
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<i>Transcendence</i> plantea una pregunta más ominosamente que <i>Her</i> en el pasado y que muchos esperamos que futuras películas de ciencia ficción aborden: si tu amante virtual hiperconectado te puede observar a cada minuto mientras duermes, mientras conduces, comes a solas en una habitación con su imagen flotando en una pantalla ¿cuál es la diferencia entre la devoción y la vigilancia? Hubo un toque de terror psicológico en las escenas finales entre la Evelyn desencantada y el cada vez más controlante Will que hacen pensar que Pfister pudo haber tenido un muy buen thriller de ciencia-ficción con él. </div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-12629878471893565832014-06-04T14:25:00.001-05:002014-06-04T14:25:32.705-05:00Crítica: X-Men: Days of Future Past<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjow2zQ_cepq36IwSHUqihkoWAGioki2DSOmYcMMrHkJkbIcWmANRPBKp4aVIkdsRH040B2YjJGj5YjnzEuS0gdpNIYdgzQ-tJLvSLER8WJNshTqta-Oghed-38ztW_x4SpzuPlO6wHox0/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjow2zQ_cepq36IwSHUqihkoWAGioki2DSOmYcMMrHkJkbIcWmANRPBKp4aVIkdsRH040B2YjJGj5YjnzEuS0gdpNIYdgzQ-tJLvSLER8WJNshTqta-Oghed-38ztW_x4SpzuPlO6wHox0/s1600/1.jpg" /></a></div>
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<i>X-Men: Days of Future Past</i> no se siente como una película de superhéroes, al menos no en el sentido tradicional. Sí, hay escenas de acción, pero muchas están cubiertas con poca utilidad. Las batallas se convierten en masacres con los "chicos buenos" en el lado equivocado de la carnicería. Una bocanada del apocalipsis flota en el aire, lista para descender y borrar todo. No había sido desde <i>The Dark Knight Rises</i> que una película con personajes heroicos familiares tomara ese camino sombrío y poco convencional. Para reiniciar la franquicia de <i>X-Men</i>, el director Bryan Singer, quien dio vida a estos personajes en la pantalla grande hace 14 años, decidió elaborar una compleja y continua pesadilla, pero que al final resulta ser bastante efectiva.</div>
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<i>X-Men: Days of Future Past</i> corresponde más al género de ciencia ficción que al de acción sacada de un cómic. Las influencias de <i>Terminator</i> son inmediatamente obvias. Atrapados en un 2033 devastado por la guerra, los X-Men se enfrentan a la aniquilación provocada por los Centinelas, enormes criaturas de guerra creadas con un propósito: acabar con todos los mutantes y con todos aquellos que los ayuden. La Tierra se ha convertido en un campo de muerte gigante. Los X-Men, incapaces de derrotar a los Centinelas, colocan todas sus esperanzas en un último esfuerzo: enviar a uno de los suyos al pasado para evitar su creación. El único que podría ser capaz de sobrevivir a dicho viaje en el tiempo es Wolverine (Hugh Jackman) debido a sus poderes de regeneración, por lo que al final es él el elegido. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmcMRIsAbV5hEPta3ZcXwj5tIw1qMOHVviU0RWEOx1bMF9d0SKWkd1U_hvjmfwW9PBpOF7lb4pjWVNdNzf4e4f9Z1MkiHc_US7Usd0QCQW5cP28YHg05z197jtrcXRazPLLNeChndn5zk/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmcMRIsAbV5hEPta3ZcXwj5tIw1qMOHVviU0RWEOx1bMF9d0SKWkd1U_hvjmfwW9PBpOF7lb4pjWVNdNzf4e4f9Z1MkiHc_US7Usd0QCQW5cP28YHg05z197jtrcXRazPLLNeChndn5zk/s1600/2.jpg" /></a></div>
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Su mayor desafío demuestra que no solo debe detener al creador de los Centinelas, Boliver Trask (Peter Dinklage), sino reunirse con los Charles Xavier (James McAvoy) y Magneto (Michael Fassbender) de 1973 para trabajar juntos y salvar el futuro. En la mira se encuentra la cambiaformas de piel azul Mystique, a quien deben detener de matar a Trask para que los hechos desastrosos en el futuro no se lleven a cabo, ya que es gracias a su ADN que los Centinelas pueden transformarse a placer en cualquier mutante, lo que los convierte en seres prácticamente inmunes. Para Xavier, eso significa tratar de convencerla de no cometer dicho delito. Para Magneto, se traduce en simplemente matarla para evitar la catástrofe y para Wolverine, atrapado en el medio, la situación se vuelve cada vez más desesperante. </div>
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Sería justo categorizar la historia de <i>X-Men: Days of Future Past</i> como "densa". No es una de esas tramas que complace a la pereza intelectual. Los relatos de viajes en el tiempo, incluso aquellos que se rigen por un conjunto establecido de reglas, son siempre un reto. Hay batallas y escenas de acción en abundancia, pero, con excepción de una secuencia juguetona que ofrece un mutante veloz llamado Quicksilver (Evan Peters), la mayoría están impregnadas de un sentido de desesperación. No hay grandes momentos de triunfo heroico y la victoria viene de algo más existencial que de darle una paliza a un chico malo.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhR_I8pgVrNcQTFNWmXzmymiRd3-LPN0p-iJMxm_B8jsX8R_hTXyTF6CKOK-YgT0Q9oVpZH8OXWtPplVwLR5_oPutv7sCYiCMXFZyBhH5V7-f01su-21fManyQvm9qi2PLBY20uTnuxpAE/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhR_I8pgVrNcQTFNWmXzmymiRd3-LPN0p-iJMxm_B8jsX8R_hTXyTF6CKOK-YgT0Q9oVpZH8OXWtPplVwLR5_oPutv7sCYiCMXFZyBhH5V7-f01su-21fManyQvm9qi2PLBY20uTnuxpAE/s1600/3.jpg" /></a></div>
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Tampoco existe un único villano que sea fácilmente identificable. En 2023, los Centinelas llevan el manto, pero son exterminadores implacables: máquinas sin alma o conciencia. En 1973, según el momento, se puede ver a Trask, Magneto, Mystique, o incluso a Xavier como el antagonista, pero todos tienen razones legítimas para su comportamiento. Trask busca la paz, Magneto lucha por la salvación de su especie, Mystique quiere venganza contra alguien que sacrifica a sus amigos y Xavier desea la liberación del dolor. También existe un mensaje dentro de <i>X-Men: Days of Future Past</i>. La creación y aceptación de los Centinelas representa el deseo de ceder la libertad por la seguridad y tiene consecuencias trágicas. Éste no es un mensaje único, sobretodo en películas de ciencia ficción, pero Singer hace un buen trabajo al transmitirlo sin llegar al sermoneo.</div>
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A este director, quien regresa a <i>X-Men</i> después de una ausencia de 10 años, se le dio la tarea de completar un reboot que inició con <i>X-Men: First Class</i>. Para lograrlo, tomó una página del manual de <i>Star Trek</i> de J.J. Abrams y usó el viaje en el tiempo y el concepto de multiversos, así como caras conocidas para brindar un poco de vinculación, como por ejemplo Hugh Jackman como Wolverine, Patrick Stewart como el Professor X e Ian McKellan como el Magneto de edad adulta. Para aquellos que sintieron que <i>X-Men: The Last Stand</i> fue una pobre salida para muchos de estos personajes, <i>X-Men: Days of Future Past</i> será capaz de calmar un poco la herida. </div>
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='640' height='360' src='https://www.youtube.com/embed/gsjtg7m1MMM?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-21831298643388490292014-06-01T16:04:00.003-05:002014-06-01T16:04:53.209-05:00Crítica: Maléfica<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBZvOlAJkkUjYLvy0Qb2ehuLUPX8NsIWl9OTyDn4W3JIkg0upSf3y8njEAiji7wxTjTZTn3RmCLnxGkNZl0q5uyx564dLzUKMUJnBzQL71SS8G6zQkLQiktEZGKKlIAleiLwUU0WcL21Q/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBZvOlAJkkUjYLvy0Qb2ehuLUPX8NsIWl9OTyDn4W3JIkg0upSf3y8njEAiji7wxTjTZTn3RmCLnxGkNZl0q5uyx564dLzUKMUJnBzQL71SS8G6zQkLQiktEZGKKlIAleiLwUU0WcL21Q/s1600/1.jpg" /></a></div>
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Como una combinación visual de Walt Disney, James Cameron y Arthur Rackham, <i>Maléfica</i> es uno de los espectáculos más notables de la actual época de efectos especiales por computadora, los cuales, para esta cinta, fueron creados por Robert Stromberg. Gran parte de la película se lleva a cabo en una tierra de hadas que gradualmente se transforma en oscuridad, mientras que el resto lo hace desde un castillo corrupto que parece salido de <i>Game of Thrones</i>.</div>
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Sin embargo, el efecto visual más grande y eficaz en <i>Maléfica</i> es la sarcástica Angelina Jolie en el papel de la protagonista, quien actúa como una hada traicionada y vengativa que seguro impresionará a todas las chicas adolescentes que la vean. Sí, su escultural figura y rostro reconocible fueron mejorados con la magia digital. Sus pómulos reales, aunque impresionantes, no son tan exagerados y el brillo verde en sus ojos es artificial, además de que tampoco tiene cuernos en la vida real. Sin embargo, la majestuosa postura, el dolor interiorizado, el orgullo herido y el acento inglés combinado con la pantomima de la villana, todo ello es propio de Jolie.</div>
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Muchos críticos están otorgando calificaciones mediocres a <i>Maléfica</i> y entiendo perfectamente por qué. La película es un revoltijo estilístico, en donde casi todo lo que contiene se asemeja de una u otra manera a las numerosas cintas y series de televisión de fantasía de los últimos 15 años. Pero la audiencia a la que Disney se está enfocando con este filme no son los periodistas de mediana edad, sino las chicas que están en una etapa temprana de la adolescencia, e incluso novios, padres y hermanos, quienes disfrutarán de una fábula ligeramente subversiva de venganza y solidaridad femenina. </div>
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La veterana guionista de Disney, Linda Woolverton, tiene una mano experta en este género y tipo de audiencia; al fin y al cabo, ella fue quien escribió <i>Beauty and the Beast</i>, <i>The Lion King</i> y la adaptación de <i>Alice in Wonderland</i> de Tim Burton. Pero esta película se siente especialmente como una labor de amor. Es fácil criticar a la casa de Mickey Mouse por sus crímenes ideológicos y estéticos durante décadas, pero en la era de John Lasseter, las películas de Disney han hecho un esfuerzo concertado para representar a los personajes femeninos desde una perspectiva diferente, convirtiéndolos en protagonistas de sus propias historias en lugar de inocentes y virginales amas de casa o intrigantes brujas. No me malinterpreten, <i>Blancanieves</i> es un gran largometraje y un hito en la historia de la animación, pero ¿qué es lo primero que ella hace cuando se muda a casa de los enanos? Lavar los platos. </div>
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<br /></div>
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<i>Maléfica</i> se aleja totalmente de eso. Interpretada como una niña por Isobelle Molloy y después por Ella Purnell, ella comete el grave error de enamorarse profundamente de un chico llamado Stefan, proveniente del reino humano contiguo, el cual está plagado, por supuesto, de corrupción y mentira. Esta acción no termina solo en angustia, sino también en un terrible acto de traición, una violación metafórica que oscurece repentinamente el humor de la película. Hay muchas maneras de interpretar lo que sucede entre Stefan y Maléfica: por un lado, las personas aburridas pueden reclamar que esta película enseña a las niñas a odiar y temer a los niños, mientras que otras (igualmente aburridas) pueden verlo como un argumento a favor de la castidad. Una tercera lección mucho más simple también está disponible: las niñas no deben sacar su autoestima de los niños y las promesas de amor verdadero, a pesar de ser seductoras en el momento, no son de fiar. </div>
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<br /></div>
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Después de cometer este terrible acto, Stefan llega al trono de su reino
y tiene una hija; como muchos podrán recordar de narraciones anteriores
de la historia, Maléfica aparece sin ser invitada en el bautizo con un
regalo inesperado. Sabemos a dónde va todo esto, o al menos lo hacemos
en su mayoría. Pero Jolie domina cada escena en la que aparece, incluso
cuando la historia revierte la fórmula, ya que el guión de Woolverton tiene
algunos trucos bajo la manga. Es perfectamente cierto que Elle
Fanning impresiona poco en el papel de Aurora, al igual que Sharlto
Copley, el rey Stefan, o incluso el mismo trío de hadas cómicas (Lesley
Manville, Imelda Staunton y Juno Temple) pero ninguno de ellos es el
verdadero héroe o villano de la trama.</div>
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<br /></div>
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<br />
Las palmas de la película se las lleva Jolie y a pesar de que <i>Maleficent</i> sí falla en varios aspectos, al final es una aventura amigable que sugiere que a veces el amor puede convertirse en una trampa, pero su principal lección nos dice que las familias que construimos y descubrimos mientras crecemos pueden ser mejores, en algunas ocasiones, que incluso aquellas en las que fuimos criados. </div>
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<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<object class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="https://ytimg.googleusercontent.com/vi/_pgmFAOgm5E/0.jpg" height="360" width="640"><param name="movie" value="https://youtube.googleapis.com/v/_pgmFAOgm5E&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><param name="allowFullScreen" value="true" /><embed width="640" height="360" src="https://youtube.googleapis.com/v/_pgmFAOgm5E&source=uds" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true"></embed></object></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-37259276332301665362014-05-29T15:46:00.000-05:002014-05-29T15:46:37.558-05:00Crítica: Godzilla (2014)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiox01gfdbSRbGIQpkMCCc2OoQSdC6FgG1JhVqh5qrwYRpUUGVAGPK22b9fa9Nji-llp-fpxHY_t6hYvzogxuGyRMS1jWq3CQAFGoCGRKOVzvSCYcGjDHWM5Lv5DRpNfBdvp5vUU_lf5Ps/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiox01gfdbSRbGIQpkMCCc2OoQSdC6FgG1JhVqh5qrwYRpUUGVAGPK22b9fa9Nji-llp-fpxHY_t6hYvzogxuGyRMS1jWq3CQAFGoCGRKOVzvSCYcGjDHWM5Lv5DRpNfBdvp5vUU_lf5Ps/s1600/1.jpg" /></a></div>
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<i>Godzilla</i> se ha encargado de destruir Tokio, hacer el ridículo en Nueva York y asociarse con un lindo compañero para una serie de dibujos animados que es mejor olvidar. Ahora, el enorme y verde reptil recibe un tratamiento 3D de enorme presupuesto cortesía del director británico, Gareth Edwards, quien impresionó a varios con su película de ciencia ficción y drama, <i>Monsters</i>, en el 2010.</div>
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Si todo lo que necesitas para pasar un buen rato gira en torno a criaturas realizadas por computadora que voltean a la cámara para dar un rugido estremecedor, entonces estás de suerte; de lo contrario te encontrarás bastante decepcionado con esta nueva película, la cual inicia con fuerza gracias a varias escenas inquietantes de pruebas nucleares en el Pacífico, seguidas de una secuencia trágica en una planta de energía que hace eco de la cinta original de 1954 tras la angustia atómica de Hiroshima. </div>
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Avanzando 15 años en el futuro, nos encontramos con el ingeniero en jefe Joe (Bryan Cranston) obsesionado con las teorías de conspiración sobre el accidente, mientras que su distanciado hijo Ford (Aaron Taylor-Johnson) trata de traer a su padre de vuelta a la realidad. Pero entonces, algo se agita en las profundidades.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsoWwZ9Qd0mtGMlEvUbjdeVrv6LxtzCDyhjA910W4Q-jJDI1cxTjyj48yiU-mTp9TCJpzZryAv9U0S9kN_Zy3tJNECazmD-7WgvmKHx_sWnqh0QhwMyDhGhPTAUMBwltaMk29M7hayD94/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsoWwZ9Qd0mtGMlEvUbjdeVrv6LxtzCDyhjA910W4Q-jJDI1cxTjyj48yiU-mTp9TCJpzZryAv9U0S9kN_Zy3tJNECazmD-7WgvmKHx_sWnqh0QhwMyDhGhPTAUMBwltaMk29M7hayD94/s1600/2.jpg" /></a></div>
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Edwards prueba que es un genio absoluto cuando se trata del diseño de criaturas. El propio <i>Godzilla</i> es grueso, táctil y agradablemente anticuado, sobretodo en comparación con la versión de Roland Emmerich de 1998, mientras que sus adversarios, como el alado insectoide Muto, son deliciosamente grotescos. Pero en su manejo de la narrativa parece no estar tan seguro de sí mismo: después de un par de escenas de acción, <i>Godzilla</i> se asienta como una película sencilla de persecución a través del Pacífico bastante estándar, con los monstruos viajando de Japón a Honolulu y, finalmente, a San Francisco.</div>
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El guión es poco original y extrañamente sin sentido del humor, y la caracterización es débil: los actores, como Ken Watanabe y Sally Hawkins, solo se encargan de abrir la boca de asombro y parlotear sobre diferentes ideas para hacer frente a las criaturas, mientras que un desabrido Taylor-Johnson es colocado incorrectamente como el héroe de mandíbula cuadrada del filme. Siempre es divertido ver monstruos escamosos y gigantes del tamaño de un rascacielos arrasar con la civilización, pero algo de drama un poco más humano hubiera sido bastante bienvenido.</div>
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='640' height='360' src='https://www.youtube.com/embed/ECUbuBrbP1g?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-18461402106356882942014-05-19T16:25:00.002-05:002014-05-19T16:25:22.029-05:00Crítica: Non-Stop<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<i>Non-Stop</i> (<i>Sin Escala</i>) es un thriller de acción que realmente hace honor a su nombre. En la década de los 50, su estrella pudo haber sido Edmond O’Brien, un actor americano quien tuvo algunos roles protagónicos, como el de aquel hombre envenenado en <i>D.O.A.</i> que luchaba contra el reloj para encontrar a su asesino en un ambiente creciente de desesperación. Liam Neeson crea un circuito frenético similar en <i>Non-Stop</i>, interpretando a un agente aéreo que intenta ser más listo que un criminal que promete matar a un pasajero cada 20 minutos en el vuelo en el que ambos se encuentran.</div>
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Al inicio de la película, la imagen de Neeson mezclando un trago mañanero en su camioneta con un cepillo de dientes, nos recuerda al piloto alcohólico de Denzel Washington en la película del 2012, <i>Flight</i>. Sin embargo, el personaje de Neeson, Bill Marks, es un poco menos complicado. Él es un policía aéreo con un pasado aparentemente triste y una cara flácida, con una conducta que indica una constante angustia. Lo que complica esta bebida mañanera es que cuando el director, Jaume Collet-Serra, se detiene en el rostro de Neeson, hay una clara invitación a especular sobre si la inquietante mirada del actor viene de su actuación o de su vida. </div>
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Al poco tiempo, Bill comienza a moverse, dando un paseo por el aeropuerto, perfilando los posibles problemas e instalándose en una de las clases más elegantes del avión. Al momento en que las señales de abrocharse los cinturones de seguridad se prenden, el señor Collet-Serra se encarga de introducir, de manera eficiente, a un puñado de caras conocidas, incluidos los héroes y villanos potenciales, como por ejemplo a Julianne Moore, Corey Stoll, Michelle Dockery, Scoot McNairy, Lupita Nyong'o, Linus Roache y Shea Whigham. Se trata de un conjunto de razas bastante variado que funciona de manera eficiente, especialmente porque expande las opciones narrativas.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUnOGPZGOHUPZg6B4bbacwii1vU20ttDsTIhg-ZK__2QJtp0CZWvoVhjBk6B9BSr7FSsjzpBroNN362quzdQRt5Hg4_BR284ddFsTgtIejJZv3rkwuNirWI7nh3NZmJ6E6VBNbl58KbEk/s1600/non2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUnOGPZGOHUPZg6B4bbacwii1vU20ttDsTIhg-ZK__2QJtp0CZWvoVhjBk6B9BSr7FSsjzpBroNN362quzdQRt5Hg4_BR284ddFsTgtIejJZv3rkwuNirWI7nh3NZmJ6E6VBNbl58KbEk/s1600/non2.jpg" /></a></div>
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Bill no es un héroe predecible, al menos inicialmente, sino más bien un humano palpable y poco fiable que sacude el miedo durante el despegue y luego se encierra en el baño para poder fumar gracias a que coloca cinta adhesiva en los detectores de humo. También disfruta del alcohol como un hombre que muere de sed, delatando una lucha por el control de sí mismo y de lo que sugiere un mundo de dolor.</div>
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También se le nota demasiado inquieto para ser un tipo capaz de portar un arma, que se suma a la sensación de inquietud una vez que empieza a recibir mensajes de texto de alguien que amenaza con matar a los pasajeros a menos que deposite 150 millones de dólares en una cuenta en específico. Bill comienza a planear estrategias, pero mientras él parece bastante capaz, al mismo tiempo es un manojo de nervios muy susceptible que hace que su estado de salud mental sea una especie de misterio secundario paralelo.</div>
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Escrita por John W. Richardson, Chris Roach y Ryan Engle, <i>Non-Stop</i> funciona mejor antes de que sus secretos sean revelados. Collet-Serra, quien también dirigió a Neeson en <i>Unknown</i>, crea un ambiente sobrio y un ritmo rápido de manera temprana. Pero también arroja un poco de comedia, para que de este modo, la inherente claustrofobia del escenario no se vuelva tan opresiva de inmediato. Las paredes metafóricas necesitan cerrarse lentamente y no de golpe. El desarrollo de la trama, con el zigzagueo implacable de Bill a lo largo del avión y el trabajo ágil de la cámara, crea tanto ímpetu que pronto te olvidas qué tan cerrado es el espacio, aunque Collet-Serra nos lo recuerda en varias ocasiones, como en una pelea a muerte en uno de los sanitarios.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYSNBg28XeJc_yg38d75evu2HUJRxDT61aUE1Albc1MpVJcCNWI6ZPDbphpoP8ystvtOGUbxMycDOgYIgTwRDM6SpR_gOJit73tNKXiWlytAoTNWbAC0B36ob-5S7u4R0WfZcrpXeQOX4/s1600/non3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYSNBg28XeJc_yg38d75evu2HUJRxDT61aUE1Albc1MpVJcCNWI6ZPDbphpoP8ystvtOGUbxMycDOgYIgTwRDM6SpR_gOJit73tNKXiWlytAoTNWbAC0B36ob-5S7u4R0WfZcrpXeQOX4/s1600/non3.jpg" /></a></div>
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En muchas escenas, <i>Non-Stop</i> no tiene ningún sentido, pero eso es de esperarse. Mucho se ha escrito sobre la sorprendente resurrección de Liam Neeson como un viejo héroe de acción, que en algunas ocasiones ha sido más gratificante en lo teórico que en lo cinematográfico. Sin embargo, Collet-Serra cumple esa promesa con un género seguro y real adjunto al sentimiento que Neeson lleva a la pantalla grande en esta etapa de su carrera, con ese cuerpo aún imponente que se mueve con la pesadez y grandeza de un antiguo guerrero levantando su espada por última vez. </div>
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='640' height='360' src='https://www.youtube.com/embed/jiHDJ19A3dk?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-46786969616332713812014-04-22T22:34:00.000-05:002014-04-22T22:34:09.770-05:00Crítica: The Amazing Spider-Man 2<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSJKu_XWfUgJ4v_s_qqwFH2QU3bS0_8NfiOzoqI-H3INCTVt8APtfNhKw5U-ntHS6Un5vPGwg-vxY41-hvL2iH3zu0v9-83t2YjXyjPBjEVkJhXKGiMQXPB9bWrV1uoypX4BXXAXcMiQY/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSJKu_XWfUgJ4v_s_qqwFH2QU3bS0_8NfiOzoqI-H3INCTVt8APtfNhKw5U-ntHS6Un5vPGwg-vxY41-hvL2iH3zu0v9-83t2YjXyjPBjEVkJhXKGiMQXPB9bWrV1uoypX4BXXAXcMiQY/s1600/1.jpg" /></a></div>
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La necesidad es la madre de la invención y es por eso que la película <i>The Amazing Spider-Man</i> de Marc Webb que salió en 2012, a pesar de sus buenas ganancias y gran elenco, se sintió tan superficial. Reiniciar la famosa franquicia de Marvel solo cinco años después de <i>Spider-Man 3</i> de Sam Raimi no era algo que en realidad fuera necesario y la rápida salida de <i>The Amazing Spider-Man 2</i> no encuentra solución a esa redundancia, aunque acrobáticamente gira suficiente sonido y furia para distraernos de ese dilema, con una gran química entre Andrew Garfield y Emma Stone deleitándonos una vez más.</div>
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Continuando la investigación de Peter Parker sobre la sombría historia de su familia, al mismo tiempo que enfrenta a dos villanos, esta nueva aventura atraerá a la suficiente audiencia para justificar la reluctancia de Sony a renunciar a esta propiedad creativa fuertemente urbanizada. Quizás, una razón por la cual la compañía decidió regresar a la fuente en lugar de crear una tercer secuela de la serie creada por Raimi, es porque el origen de la historia de Parker es emocionalmente convincente de una manera que no puedo ser repetida. La transformación de un tímido y torpe adolescente en un ser sobrenatural y el juvenil sentido de propósito que él encuentra en sus poderes recién adquiridos, forman un arco en la historia más rico y limpio que cualquier densidad narrativa que alguna secuela pueda brindar. La fabulosa <i>Spider-Man 2</i> de Raimi que salió en 2004, giró en torno a esa premisa al complicar el romance clave y al introducir un enemigo verdaderamente carismático: el Doctor Octopus. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNxcFRITdTXzY9A3Y_SjbGyPdMCNfbR5Mdz5Ie6y0puMEmX4hShVdqy4PEFesc8rnk46cUyXgf7KzU4h9UH2YC-GuHiJRf_u219A8FWD34Kzq6g4-bk-xOYocSAzlG1uIJSSrGxfFH4DE/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNxcFRITdTXzY9A3Y_SjbGyPdMCNfbR5Mdz5Ie6y0puMEmX4hShVdqy4PEFesc8rnk46cUyXgf7KzU4h9UH2YC-GuHiJRf_u219A8FWD34Kzq6g4-bk-xOYocSAzlG1uIJSSrGxfFH4DE/s1600/2.jpg" /></a></div>
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Escrita por un equipo de cuatro guionistas, <i>The Amazing Spider-Man 2</i> es menos exitosa, a pesar de un desarrollo crítico del tercer acto que trastorna el aparente status quo del renacimiento de la franquicia. Aunque juega de nuevo con un encanto áspero y con el humor tonto de Garfield, Parker entra y sale de la película como un implacable e ingenioso combatiente del crimen con poco desarrollo en el medio. Además, su desconfianza fue reemplazada por una hábil labia e incluso el copete de su cabello es un poco más alto.</div>
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Mientras tanto, su relación con la intelectual Gwen Stacy (Emma Stone) se quiebra y se repara a sí misma una y otra vez, ya que sufre del agobio por la promesa que hizo a su difunto padre (Denis Leary) de que la dejaría sola por razones de seguridad. Su investigación en curso sobre la muerte enigmática de sus padres (algo que se revela en el prólogo de la cinta) lo hace descubrir cosas que incluso los espectadores más atentos no hubieran podido deducir a partir de la primera película, sobre todo teniendo en cuenta que los malos procederes de la mega corporación Oscorp ahora se han establecido. </div>
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Con Gwen y la tía May (Sally Field) soportando en silencio las heridas psicológicas de las muertes recientes de su familia, el tratar de seguir adelante sin importar qué para ellas parece ser uno de los temas emocionales subyacentes de la historia, así como su razón de ser comercial. Por otra parte, la ciudad de Nueva York de la película aparece magullada debido a los acontecimientos criminales del filme anterior, y cada vez es más dependiente del todavía enmascarado Spider-Man, quien sirve como complemento a la fuerza policial. Este énfasis en la necesidad de heroísmo en la sociedad contemporánea recuerda mucho el subtexto reaccionario post-9/11 de las películas de Batman de Christopher Nolan. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4fwRleYhmYC12aSZWbHXs2MWC2Wk9CtcB9fOAcf1cHcdZmx9RZmPQ9qRCwlOHpo2BtVMgitE7LWVhd_-1xP0IisoFcaroB2q_54PV5cDkzC4F6Jst9ymRa8U5VYqWR_6wTsOHjJA5jV8/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4fwRleYhmYC12aSZWbHXs2MWC2Wk9CtcB9fOAcf1cHcdZmx9RZmPQ9qRCwlOHpo2BtVMgitE7LWVhd_-1xP0IisoFcaroB2q_54PV5cDkzC4F6Jst9ymRa8U5VYqWR_6wTsOHjJA5jV8/s1600/3.jpg" /></a></div>
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La amenaza más inmediata para el bienestar de la Gran Manzana llega en la forma inverosímil de Max Dillon (Jamie Foxx), un empleado de Oscorp ultra fanático de Spider-Man que, a raíz de un accidente de laboratorio que implica un fusible flojo y un depósito gigantesco de anguilas eléctricas, muta en el iridiscente Electro. Es un antagonista complicadamente concebido, aunque el naturalmente dinámico Foxx nunca parece cómodo con la caracterización del personaje. Después de un enfrentamiento de alto voltaje en Times Square contra nuestro héroe, que seguro representó un reto par el equipo de efectos especiales, se observa que él es poco más que un acto de calentamiento para la maldad más serpentina de Dane DeHaan como el heredero de Oscorp (y amigo de la infancia de Parker), Harry Osborn.</div>
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Reintroducir al personaje de Osborn (interpretado por James Franco en las películas de Raimi) podría parecer otro movimiento inseguro por parte de la posible escasez de ideas de los escritores, pero en realidad es un retorno ordenadamente guionizado. Sus gestos faciales y vocales evocan a un joven Leonardo DiCaprio y el actor lo interpreta con la misma astucia que a Lucien Carr en <i>Kill Your Darlings</i>. La promesa de su presencia continua es la principal razón para anticipar la ya programada <i>The Amazing Spider-Man 3</i>. </div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-17092289104262722422014-03-31T19:41:00.000-06:002014-03-31T19:41:41.155-06:00Crítica: All is Lost (Todo Está Perdido)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCUqwGZiuunYfenOexvhBBahW1mKN-mQq7IKBvPg8EcgKxvE8Lp_8PY52NCxLurPBqbfv_FzzlEM0KVKqnCo_MIsw5BQi8ZBvPFqAIWETiCJ2QqKVaAbMBvZJxaQv1YySeAjBP8LkPusc/s1600/all1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCUqwGZiuunYfenOexvhBBahW1mKN-mQq7IKBvPg8EcgKxvE8Lp_8PY52NCxLurPBqbfv_FzzlEM0KVKqnCo_MIsw5BQi8ZBvPFqAIWETiCJ2QqKVaAbMBvZJxaQv1YySeAjBP8LkPusc/s1600/all1.jpg" /></a></div>
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En su debut en el cine con <i>Margin Call</i>, el director y guionista, J.C. Chandor, logró juntar un gran elenco, enclaustrándolos en las oficinas de un banco de inversión durante las turbulentas 24 horas previas al inicio de la crisis financiera de 2008. En su segunda película, Chandor hace algo radicalmente diferente y más valiente. Prácticamente no hay diálogo en <i>All is Lost</i>, ya que toda la cinta está ambientada en mar abierto y sólo hay una persona en la pantalla, Robert Redford, quien interpreta a un personaje cuyo nombre nunca conocemos.</div>
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Obviamente es una persona de dinero, ya que se encuentra navegando en su gran yate a lo largo del Océano Índico en lo que aparentemente son sus vacaciones. Hay indicios de que una familia le espera de regreso en cualquier lugar que él llame hogar y está claramente bien educado. Sin embargo, una mañana, un contenedor de transporte perdido en el mar embiste a su bote, inundando la cabina y cortocircuitando los controles de navegación. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHyhJPgRbDOQKiJ6O1G8EAVLEGV992Hstdw2WbkkfuD82H1tBGzN0naOOb3cL4067rsxnI3JdIKNO-a7JjkANWBOSoailVk4HrGqnVTCeBddSnaoqIUcL5Ji-7Ne3sUDxdeod-X3QK34s/s1600/all2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHyhJPgRbDOQKiJ6O1G8EAVLEGV992Hstdw2WbkkfuD82H1tBGzN0naOOb3cL4067rsxnI3JdIKNO-a7JjkANWBOSoailVk4HrGqnVTCeBddSnaoqIUcL5Ji-7Ne3sUDxdeod-X3QK34s/s1600/all2.jpg" /></a></div>
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Ésta es sola la primera de una serie de desgracias por las que pasará nuestro protagonista. El clima se ha tornado en su contra, al igual que su costoso equipo de seguridad. Las reparaciones improvisadas que realiza no son suficientes y de paso, algunos tiburones toman nota de su presencia. Sólo las estrellas en el cielo nocturno cooperan, ayudándolo a dirigir su barco que se hunde hacia aguas más pobladas. Pero brillan sobre él, impasible, indiferente a su suerte. Sólo nosotros, los espectadores, somos testigos de su dilema.</div>
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Y después de un rato, nos comenzamos a aburrir. Las metáforas y alegorías en <i>All is Lost</i> están escritas en letras de neón parpadeante - durante siglos, los artistas han utilizado el mar como escenario de cuentos de supervivencia - y existe la innegable presencia de Redford, que no actúa tanto en las películas de hoy en día sino que lleva el tipo de presencia a la pantalla y el legado cinematográfico que apenas existe en Hollywood. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhORPeNXSbBy8EPbl5Iz0H0zAkjCZNoJC-6gqQbMmyHH2zfaVmxjO4rB-tF-nt2LcVZh84rlOZeAwTldDEwJASMS9a4VfvwLRORdIzfbNDtNQ1VGRDORpeCDT9uWPcEGEpqqtE258hZFck/s1600/all3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhORPeNXSbBy8EPbl5Iz0H0zAkjCZNoJC-6gqQbMmyHH2zfaVmxjO4rB-tF-nt2LcVZh84rlOZeAwTldDEwJASMS9a4VfvwLRORdIzfbNDtNQ1VGRDORpeCDT9uWPcEGEpqqtE258hZFck/s1600/all3.jpg" /></a></div>
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Redford hizo la mayor parte de sus escenas de acción en <i>All is Lost </i>y es capaz de transmitir emociones y pensamientos innumerables con sólo un puñado de palabras - esto es un rendimiento físico de primer orden destinado a atraer a un montón de premios. Chandor muestra un dominio de su oficio, algo que en <i>Margin Call</i> sólo insinuó, con el sonido. el silencio, la luz y la oscuridad en formas que transmiten un gran talento en crecimiento.</div>
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Pero al final, la película sigue siendo una vaga curiosidad. A diferencia de <i>Gravity</i>, que tuvo un escenario similar y se infunde con un gran espectáculo, después de un rato<i>, All is Lost</i> empieza a sentirse repetitiva. No importa cuántos detalles específicos ofrece (por ejemplo, cómo hacer bebible el agua de mar), nunca te sumerges en la difícil situación de este hombre. Sí, lo estudias, pero no te preocupas por él, ya que nunca llegas a conocer su trasfondo. Es como si fuera un símbolo y no una persona - una realización del instinto humano por sobrevivir - y aunque la cinta es intrigante en un nivel intelectual, Chandor nunca supera el artificio de su osada creación. <i>All is Lost </i>es más divertida cuando solo se ha visto el trailer; es un testamento de un gran actor y una pieza experimental de cine que nos hace apreciar lo grande qué son otras películas del estilo como <i>Life of Pi</i>. </div>
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='640' height='360' src='https://www.youtube.com/embed/VOffmStKwXg?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-29397019296560882582014-03-24T14:53:00.000-06:002014-03-24T14:53:06.497-06:00Crítica: Labor Day (Aires de Esperanza)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJE1m7b-xDPp2uHRz4wbhxaPqcdbqKpcK00pJVf1vgbUIpHG3v704Jn7C6uXQfvmdDfp-wgQl1kE33Vp9bBtba402ROCJBEnw46zMlejER3soLtfISnsyIzgsahhlB8nzbxiHNkbdq_dk/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJE1m7b-xDPp2uHRz4wbhxaPqcdbqKpcK00pJVf1vgbUIpHG3v704Jn7C6uXQfvmdDfp-wgQl1kE33Vp9bBtba402ROCJBEnw46zMlejER3soLtfISnsyIzgsahhlB8nzbxiHNkbdq_dk/s1600/1.jpg" /></a></div>
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<i>Labor Day</i> es un romance cruzado que nos muestra a Kate Winslet en el papel de Adele, una depresiva madre soltera de New Hampshire en el año 1987, a Gattlin Griffith como su protector hijo de 13 años de edad, Henry, y a Josh Brolin como Frank, el varonil pero sensible prisionero que logró fugarse y que los toma como rehenes. En el transcurso de un largo fin de semana, Frank se enamora de Adele. Estas dos almas frágiles y dañadas, encuentran sustento entre sí, mientras que un muchacho confundido mira y narra la historia en la voz adulta de Tobey Maguire. La película es una experiencia sombría, pero si la ves con el lado derecho de la mente, se convierte en el placer culposo de la temporada.</div>
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Después de convertir en rehenes a Adele y Henry en el supermercado local bajo la amenaza de violencia, Frank pasa los primeros días haciendo reparaciones en torno a su casa, limpiando las canaletas y preparando los mejores bísquets que hayan probado. También cocina un pay de durazno e instruye a la madre y al hijo en el arte de la repostería. El punto culminante, por así decirlo, viene cuando Adele sostiene la capa superior del postre con la mano temblorosa y Frank le ordena, con autoridad sexy, a "poner un techo en esta casa." Es como la escena de la cerámica en <i>Ghost</i>, solo que diferente. </div>
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Esta historia llega a nosotros gracias a Jason Reitman. Algunas de sus películas previas son <i>Thank You for Smoking, Juno, Up in the Air</i> y <i>Young Adult</i>, y con su nuevo filme, una adaptación de una novela de Joyce Maynard, trata de crear una cinta entera y sin ironía. La seriedad es un lenguaje extraño para él y lo demuestra con frialdad. <i>Labor Day</i> es el intento de un talentoso cineasta de rediseñar una película de Nicholas Sparks: Reitman la separa, examina las piezas y las pone de vuelta de manera errónea. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_4-CBL6ZcxqX88a5ZFserfglLT0rdiw9w-lcDOkKJyAGxKUOBRNTSR2Y6idWReAVGxDNd5pTGuTfqvSLz09hAbMxWEyG1nBwweNu55xgAf7HXhaOSqDFPy_3jdTIQrUATGRqgLxSRbKg/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_4-CBL6ZcxqX88a5ZFserfglLT0rdiw9w-lcDOkKJyAGxKUOBRNTSR2Y6idWReAVGxDNd5pTGuTfqvSLz09hAbMxWEyG1nBwweNu55xgAf7HXhaOSqDFPy_3jdTIQrUATGRqgLxSRbKg/s1600/2.jpg" /></a></div>
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Hay espacios en esta película que el director llena con momentos cinematográficos ácidos, y el vacío sólo invita a la risa nerviosa de la audiencia. Mientras Griffith tiene poco que hacer mas que mirar con incomprensión silenciosa, algo en lo que sobresale, Winslet y Brolin son profesionales y un placer razonable de ver. Brolin especialmente te convence de la mansedumbre y la decencia de Frank en la cara de ese desafortunado convicto acusado de doble homicidio.</div>
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Winslet reina en las emociones de su personaje y los resultados a veces son conmovedores, pero es solo cuando Adele se suelta con un poco de baile de sala lo que hace que la actriz toque en las pasiones más grandes e inherentes a esta historia. <i>Labor Day</i> se entrega a manera de flashbacks, a veces llegando al punto de la incoherencia, pero aunque cosas horribles suceden en esas escenas, éstas se presentan con la mayor discreción posible. La película es esa paradoja inviable, un melodrama de buen gusto.</div>
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Afortunadamente, hay algunas compensaciones. En la última media hora, mientras los tres planean escapar a Canadá mientras el mundo exterior se les viene encima, la película estalla con un suspenso existencial y la pareja de amantes ignorando lo obvio. El clima de New Hampshire, frío y húmedo, de finales de verano es correctamente capturado y añade parte de tensión; la película fue filmada mayormente en Massachussets, en pequeños pueblos como Acton y Shelburne Falls. Los actores de reparto tienen sus propios placeres: Clark Gregg interpreta al padre despistado de Henry y Brooke Smith y J.K. Simmons hacen de vecinos entrometidos, aunque su aparición es realmente breve. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOktJl_9l7YgNhkE2__U6eHejGvcGr_NurdXJlzKoX5QVo2pj_AJtLCDQ9lnzv1U9d2gwMiDF1M2rg8gGcvAC-R__7K4BWdoEpEAj7VcdmaeDXZqDmYTjhak6UizACKZjSsER888BMvVk/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOktJl_9l7YgNhkE2__U6eHejGvcGr_NurdXJlzKoX5QVo2pj_AJtLCDQ9lnzv1U9d2gwMiDF1M2rg8gGcvAC-R__7K4BWdoEpEAj7VcdmaeDXZqDmYTjhak6UizACKZjSsER888BMvVk/s1600/3.jpg" /></a></div>
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Otra línea de la historia que no llega a ningún lado implica la amistad e intermitente romance de Henry con una joven llamada Rachel (Elena Kampouris), una nueva chica en la ciudad que solo sabe hablar de las cosas horribles que los padres divorciados hacen a sus hijos. Con su pelo andrajoso, ojos anillados y un aire natural de superioridad, Rachel aparece como una menor de edad adicta a la metanfetamina muy culta. De hecho, ella parece haber llegado de otra película totalmente diferente, una del propio Jason Reitman. </div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-82312243439277635232014-03-09T17:57:00.000-06:002014-03-09T17:57:37.657-06:00Crítica: 300: Rise of an Empire<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAtnNd8sx6-gLhcZEd3LDAyZhj1x34Ecok6BswETBs5ovQsh5Piz-5yRxa49vUwRraoLaPYLbW8e0J1v40hOQgrD_VVDCfSzwo4kk2tdJDzQIe31spjows4eY1fhn_U_C7jmfbRH0eN1c/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAtnNd8sx6-gLhcZEd3LDAyZhj1x34Ecok6BswETBs5ovQsh5Piz-5yRxa49vUwRraoLaPYLbW8e0J1v40hOQgrD_VVDCfSzwo4kk2tdJDzQIe31spjows4eY1fhn_U_C7jmfbRH0eN1c/s1600/1.jpg" /></a></div>
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Roma no se construyó en un día, pero quizás esta secuela sí. Increíblemente filmada y pobremente escrita, <i>300: Rise of an Empire</i> tiene todo el estilo visual de su predecesora de Zack Snyder. En ella, Eva Green comanda una flota naval y desnuda su ombligo por igual. Interpretando a Artemisia, una huérfana griega adoptada por el conquistador persa Darío (Igal Naor), y por lo tanto la hermanastra de su hijo psicópata Jerjes (Rodrigo Santoro), Green está en el lado equivocado de una brutal campaña que se libra contra sus compatriotas por un Jerjes ahora adulto. Ella es ostensiblemente la villana de la película y un montón de griegos mueren por su mano ágil.</div>
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Definitivamente es mucho más atractiva que nuestro héroe, el barbudo griego Temístocles, interpretado por el joven actor australiano Sullivan Stapleton. En la original película de <i>300</i>, Gerard Butler interpreta a una figura regia como el líder espartano Leónidas, pero Stapleton no acaba de tener suficiente presencia bruta para poder comparársele. De hecho, los fans de <i>300</i> pueden sentarse esperando un cameo de Butler teniendo en cuenta que la historia se lleva a cabo en su mayoría al mismo tiempo que los acontecimientos de la primera película. Está siendo comercializada como una secuela, pero <i>Rise of an Empire</i> se describe más exactamente como una extensión del universo de <i>300</i>, como si fuera un contenido descargable de un videojuego. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYgeZGJU4Op5_2fjivIhn3GMEWQUmbE-_l2oM7S_SGTqYEq7fNxtJXkP5qTYxN1aDQg-wT17CMx4rrajlJJIIEIXttWtg1666y27hi0iwr3EJZosWw5x7n0Fpb5iIfbE2QneaGnw2asz4/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYgeZGJU4Op5_2fjivIhn3GMEWQUmbE-_l2oM7S_SGTqYEq7fNxtJXkP5qTYxN1aDQg-wT17CMx4rrajlJJIIEIXttWtg1666y27hi0iwr3EJZosWw5x7n0Fpb5iIfbE2QneaGnw2asz4/s1600/2.jpg" /></a></div>
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Y ya que tocamos el tema de los videojuegos, Noam Murro, quien asume el control de la silla del director en lugar de Zack Snyder, utiliza un esquema visual similar al de los videojuegos, con todas las tomas siendo digitalmente asistidas, con rebosantes campos de batalla y sangre que sale a borbotones de las arterias carótidas. Esta estética era algo único cuando la <i>300</i> original salió en 2006, pero siete años después, ya no es una novedad significativa. Al menos una secuencia a gran escala, abordo de un barco de madera en llamas y culminando con una visión surrealista de las serpientes de mar devorando a las víctimas, tiene una cierta grandeza, pero Murro no tiene el talento de Snyder, ya sea para la violencia o la velocidad. </div>
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Los críticos que llamaron a <i>300</i> una subyacente alegoría política encontrarán más de lo mismo aquí y los que se rieron del homoerotismo de la película original volverán a ver torsos de guerreros bien aceitados expresando discursos acerca de la fraternidad y el honor. Al mismo tiempo, Murro hace lo mejor para jugar con la dinámica lujuriosa entre Artemisia y Temístocles, cuyo mutuo respeto a las tácticas militares del otro ocultan una atracción palpable. Por arrojárse de cabeza en escenas por las que una actriz más cautelosa podría excusarse, Green se gana a sí misma una gran mención por su valor en una película que es demasiado sombría y gris para su propio bien. </div>
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='640' height='360' src='https://www.youtube.com/embed/G3Rzy7YqUVU?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-91269443716656201862014-02-23T15:39:00.002-06:002014-02-23T18:41:01.426-06:00Crítica: 12 Años Esclavo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs4bIQdn1ZJ8y81LN7J3Kh9Qz1cwDi1VGSCPdmmslgX_cNIei46Ik6Ynz00HDqMXQIu_GdfIgUTQGXWgDXFD9-DItTEmZDR4CF_MiZC-9yjomuusPw1boqkPSTfyOQJZEwSpRSlMrYQ48/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgs4bIQdn1ZJ8y81LN7J3Kh9Qz1cwDi1VGSCPdmmslgX_cNIei46Ik6Ynz00HDqMXQIu_GdfIgUTQGXWgDXFD9-DItTEmZDR4CF_MiZC-9yjomuusPw1boqkPSTfyOQJZEwSpRSlMrYQ48/s1600/1.jpg" /></a></div>
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<i>12 Años Esclavo</i>, de Steve McQueen, es una magnífica película angustiante que lleva a la pantalla grande una gran dramatización de la esclavitud en Estados Unidos. Basada en hechos reales, la cinta comienza en 1841, contándonos la historia de un hombre negro libre de Saratoga Springs, Nueva York. Su nombre es Solomon Northup (Chiwetel Ejiofor), un músico que se pasea con un traje gris elegante, seguro de la modestia cortesana de su vida como esposo y padre de dos hijos. Más adelante, acepta una oferta para ir a Washington, DC, con un par de actores de un circo que solicitan sus servicios debido a la escasez de talento musical en la región. Cuando están celebrando con vino en un restaurante, todos en la sala de cine tenemos esa sensación de que esto es demasiado bueno para ser verdad. Y en efecto, Solomon no fue contratado por sus talentos, sino para ser traficado.<br />
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Él despierta en una prisión cruda y fría, con una telaraña de cadenas de arresto en los brazos y piernas. Los traficantes lo drogaron y es enviado a Louisiana, donde será vendido como esclavo. Contemplando sus cadenas como si estuviera en un mal sueño del cual simplemente tendrá que despertar, el brillante Chiwetel Ejiofor nos sitúa justo dentro de la piel de Solomon, y al instante estamos compartiendo el horror en que la vida de este hombre se ha convertido. </div>
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El actor quizás tiene algunos de los ojos más elocuentes vistos en el mundo del cine actual. Son esferas de expresión pura, y en esta película tienen que ser así porque Solomon rara vez habla de lo que está sintiendo. Su mirada intensamente llena de agonía, no es solo la de un hombre privado de su libertad, sino también representa la renuncia a la desesperación. Pase lo que pase, hará lo posible por sobrevivir. A pesar de que conocerá la miseria, no caerá en la trampa de la locura y trascenderá.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwkAEVa3R1Q7g-Ns2omI2ZhvK4WVavGetEyEN-ou9ZBodW7YxnnALSERFwVqaq2Kzpxj3hxkXinecbiboMX_IJ8g8No8cbr_SiU_XJVrS6FE_2em03DsDCIvH44zOFoKM7CjpRokMlhK0/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwkAEVa3R1Q7g-Ns2omI2ZhvK4WVavGetEyEN-ou9ZBodW7YxnnALSERFwVqaq2Kzpxj3hxkXinecbiboMX_IJ8g8No8cbr_SiU_XJVrS6FE_2em03DsDCIvH44zOFoKM7CjpRokMlhK0/s1600/2.jpg" /></a></div>
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El poder de escaldado del arte de McQueen comienza con el hecho de que Solomon no nació en la esclavitud humana para atraernos a la experiencia de opresión y explotación. Él tiene que aprender a responder a los insultos y azotes con el silencio, y a fingir que es un adulador que no sabe leer ni escribir. La crueldad de ese proceso se convierte en el camino de la película de dramatizar la falta de naturalidad de la esclavitud. </div>
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<i>12 Años Esclavo</i> está basada en un libro que el propio Northup escribió sobre su terrible experiencia, y McQueen, trabajando con un excelente guión de John Ridley, ha estructurado la película como una serie diaria de incidentes. No hay arcos argumentales inventados para rellenar lo que estamos viendo. La aplastante realidad de la existencia del día a día de Solomon es todo el drama que la película necesita. Su primer año (Benedict Cumberbatch) revela algunos instintos humanos, como su conducta, la cual podría considerarse humanitaria. Pero entonces, después de mostrar demasiado orgullo, Solomon consigue ser vendido a Edwin Epps (Michael Fassbender), un propietario de plantaciones de algodón. </div>
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Él puede ver el fuego en el corazón de Solomon y es impulsado a quebrarlo. Cuando se entera de que Solomon trató de conseguir que un trabajador blanco enviara una carta al norte para explicar su situación, lo sostiene de la camisa, observándolo muy de cerca y diciéndole que sabe lo que está pasando. Solomon enfrenta la situación con una mentira ingeniosa que debe sostener durante varios minutos, sin temblar y mirando directamente a su supervisor. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjM_AAASwbIpth_PCal79z9FFgmuJF5sSTYRLJESfAZVB8Vj77B1S5k2vG8CxsxXsZe36v2vAFgMK3b3JtzYCI7YSFWRymyU7X8FPBW33fTzkbUhbzLA340tGO_giLoX7kIXc1ZfJZavlk/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjM_AAASwbIpth_PCal79z9FFgmuJF5sSTYRLJESfAZVB8Vj77B1S5k2vG8CxsxXsZe36v2vAFgMK3b3JtzYCI7YSFWRymyU7X8FPBW33fTzkbUhbzLA340tGO_giLoX7kIXc1ZfJZavlk/s1600/3.jpg" /></a></div>
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Edwin tiene una obsesión con Patsey (Lupita Nyong'o), la esclava que recoge más algodón cada día que cualquier otro y con quien desquita sus deseos sexuales con regularidad. Su relación se convierte en parte de un triángulo degradado, ya que la esposa de Edwin (Sarah Paulson) es consciente de su fijación. Debido a sus celos, y para disgusto de Edwin a sus propios deseos, Patsey es sometida a los tormentos del infierno con una de las escenas de azotes con látigos más gráficas que hayamos visto en mucho tiempo. Cabe destacar que la actuación de Nyong'o aquí es aplastante. </div>
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Pero el extraordinario desempeño de Ejiofor es lo que hace que la película se mantenga íntegra. Él le da a Solomon una fuerza interior profunda, aunque nunca suaviza la pesadilla de su existencia. Su dolor definitivo no son los golpes o la humillación. Se trata de ser arrancado y alejado de su familia y de todo lo que él es. <i>12 Años Esclavo</i> nos permite apreciar el pecado de Estados Unidos con los ojos abiertos, siendo una película que logra tocar varias emociones y que nos permite apreciar las maravillas del mundo actual libre. </div>
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<object class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="https://ytimg.googleusercontent.com/vi/KrDg_6rxCzs/0.jpg" height="360" width="640"><param name="movie" value="https://youtube.googleapis.com/v/KrDg_6rxCzs&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><param name="allowFullScreen" value="true" /><embed width="640" height="360" src="https://youtube.googleapis.com/v/KrDg_6rxCzs&source=uds" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true"></embed></object></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-34784104802333364412014-02-18T17:50:00.001-06:002014-02-18T17:50:04.217-06:00Crítica: Winter's Tale<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi84Xzz1gRF4gOMtRAhheaKHL9CdcDuxpH8M6DIoCyZPO95jQjoJy7mHqccPqziHhztWQPvg2oi82pFkjBRTF2XeJ0AVHMy5DJWsynFWvBcchS5GQB-OVPbSEHqlAaj40AtGVcMKj_4BMw/s1600/winter1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi84Xzz1gRF4gOMtRAhheaKHL9CdcDuxpH8M6DIoCyZPO95jQjoJy7mHqccPqziHhztWQPvg2oi82pFkjBRTF2XeJ0AVHMy5DJWsynFWvBcchS5GQB-OVPbSEHqlAaj40AtGVcMKj_4BMw/s1600/winter1.jpg" /></a></div>
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<i>Winter's Tale</i> es algo diferente. Es un romance con elementos fantásticos, completamente carente de cinismo y que se dirige directamente a las emociones y problemas más profundos de la vida como el amor, la muerte, y el tiempo, sin preocuparse de si el público lo creerá o incluso, si se echará a reír. Es en parte un fracaso, pero al final sale victoriosa gracias a que la aspiración de la película es tan enorme, que es suficiente para brindar una nueva experiencia conmovedora.</div>
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Las fallas de la cinta muy probablemente se atribuyan al argumento, basado en la novela de Mark Helprin y que nos habla sobre un ladrón que se enamora de una chica enferma de tuberculosis en la ciudad de Nueva York de 1916. Pero no, la historia no es la culpable, y tampoco lo es el guión escrito por el director y guionista Akiva Goldsman, o las propias actuaciones. No, la causa del problema aquí es la dirección, que es en muchos aspectos encantadora, pero es desigual en un detalle crucial.</div>
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<span id="goog_1899334360"></span><span id="goog_1899334361"></span></div>
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Y es que Goldsman parece ser incapaz de encontrar un punto de equilibrio en la armonía de todos los elementos dispares de la historia: una fantasía, un cuento de hadas, una fábula moral sobrenatural y un escenario de la vieja Nueva York. Es el trabajo del director ir a la moda del universo específico en el que una historia puede tener sentido, y a veces Goldsman simplemente no lo hace, por lo que los cambios de la trama parecen discordantes. Pero también hay que aplaudir su esfuerzo, ya que con anterioridad solo dirigió algunos episodios de televisión y realmente tuvo una tarea difícil para su primer largometraje.</div>
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Dejando eso de lado, Goldsman hace una buena labor. Hay una escena clave al principio en donde el ladrón, Peter (Colin Farrell), quien al huir del jefe de la mafia de la ciudad (Russell Crowe), se encuentra con la joven heredera, Beverly (Jessica Brown Findlay), mientras se encontraba robando su casa. Su espíritu de conexión casi instantánea se vuelve creíble porque ambos, a su manera, están desesperados por seguir con vida y cada uno ve al otro como la encarnación de la promesa de la vida.</div>
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Beverly es una gran creación. Con solo 21 años y viviendo con una sentencia de muerte por su condición, ella afirma que mientras más enferma está una persona, más se da cuenta ésta que todo está conectado por la luz. En cierto sentido, ella está a la mitad del camino entre dos mundos. Este tipo de carnalidad etérea siempre es eficaz en las películas, por lo menos con la actriz correcta, y la recién llegada, Findlay, fue perfectamente moldeada. Ella hace que el trabajo de Farrell sea fácil, ya que él sólo tiene que permanecer abierto y permitir que Peter sea testigo de un resplandor.</div>
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Este resplandor se vuelve tangible en el arte de creación de la película, que hace que los actores se vean como figuras de cristal tallado y que brillan intensamente con el telón de fondo. Incluso las escenas de noche se iluminan con la luz azul-verde de una luna Hollywoodense y transmiten la sensación de magia en medio de las cosas. Para los primeros dos tercios de su tiempo de ejecución, <i>Winter's Tale</i> es así y nada sale mal, pero después, en el final, las cosas se tornan extrañas, con una rareza en su tono y algunos elementos de la historia que son inverosímiles. </div>
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Manteniendo íntegro a su personaje en medio de los cambios y giros, Farrell logra que el hilo emocional (e incluso la propia película) siga vivo. A pesar de ser un ladrón, Peter es un personaje de completa pureza y honestidad, y es un placer ver cómo Farrell lo interpreta, ya sea en la única escena de amor de la cinta o en sus conversaciones con otros actores. No importa con quién dialogue, se puede ver el esfuerzo del actor, gracias a algunas pausas, por decir lo más cierto de la manera más simple. Estas son virtudes muy fuertes y fácilmente compensan algunas de las rarezas del último tramo del filme. </div>
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='640' height='360' src='https://www.youtube.com/embed/DBSj1MKwx6A?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-3507898482311989462014-02-10T18:18:00.000-06:002014-02-10T18:18:30.171-06:00Crítica: Philomena<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiU_v_IOEuHiL9s7rrp6xS-fwwE-NhMiPhdZPk25R-IMtQoEeWWo7cqTyqZgJqEgynl9o4EVs26o2dPLIQJAR4adqdy_D55ORkeD0bJ7iiClcVRtRlmUj-_RpOcS6dKxomBJWJggx8WaYU/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiU_v_IOEuHiL9s7rrp6xS-fwwE-NhMiPhdZPk25R-IMtQoEeWWo7cqTyqZgJqEgynl9o4EVs26o2dPLIQJAR4adqdy_D55ORkeD0bJ7iiClcVRtRlmUj-_RpOcS6dKxomBJWJggx8WaYU/s1600/1.jpg" /></a></div>
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En <i>Philomena</i>, Judi Dench retrata a una terca, y muy católica, señora de edad avanzada proveniente de Irlanda, quien se vio obligada a abandonar a su hijo cuando aún era una adolescente. Uno de los temas principales de esta película de Stephen Frears es el perdón. El papel de Philomena Lee por parte de Dench brilla con el resplandor de una persona serena en su fe a pesar del trato inhumano por parte de la iglesia y el hecho de que te haga creer que su personaje tiene la capacidad de perdonar, brinda a la película un sólido núcleo moral.</div>
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La digna actuación de Dench, junto con el guión adaptado por su co-estrella, Steve Coogan y Jeff Pope del libro de 2009 de Martin Sixsmith llamado <i>The Lost Child of Philomena Lee</i> (basado en hechos reales), estabiliza una mezcla volátil de ingredientes. En manos menos seguras, la película pudo haber sido un drama empalagoso y poco sólido. </div>
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<i>Philomena </i>tiene varias facetas. Es un filme que sigue el viaje de dos personas, una historia de detectives y una investigación sobre la fe y las limitaciones de la razón. Es tan sofisticado en cuanto asuntos espirituales, que se esfuerza en distinguir la fe de la piedad institucionalizada. </div>
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También tiene un sorprendente subtexto político en su comparación de la opresión y el castigo de la iglesia sobre el sexo fuera del matrimonio, algo que una de las duras madres del convento donde estuvo la protagonista en su adolescencia califica como incontinencia carnal, con la homofobia y la renuencia del gobierno de los Estados Unidos para hacer frente a la crisis del SIDA en la década de los 80. Philomena recuerda sentir que su hijo, incluso siendo aún un infante, crecería para ser gay.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7l3F4FRIHTQbar_dt5RApPyLemD872OBZu_DvsBgGB8bSEGFuOJNaa854R2UJavzwEU5MWjFTxyD8ThzOCsbqkoYrcaufJgsA9_km3yhgmepGReCr4z7xaSPS9e3vT5opR2UvsiGRCBU/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7l3F4FRIHTQbar_dt5RApPyLemD872OBZu_DvsBgGB8bSEGFuOJNaa854R2UJavzwEU5MWjFTxyD8ThzOCsbqkoYrcaufJgsA9_km3yhgmepGReCr4z7xaSPS9e3vT5opR2UvsiGRCBU/s1600/2.jpg" /></a></div>
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Judi Dench, quien está más acostumbrada a papeles de figuras femeninas autoritarias, sabe exactamente qué tan lejos empujar la ternura inherente de su papel sin caer en una broma. Su Philomena, a pesar de su puritanismo superficial, tímidamente confiesa que tiene recuerdos felices, libres de culpa del asunto amoroso que la hizo meterse en problemas. Aún más sorprendente, es que profesa una aceptación de la homosexualidad. Su ecuanimidad sobre el tema puede ser un poco exagerada dada su edad y su entorno, pero su espíritu independiente sugiere que tal actitud no está más allá del reino de lo posible. </div>
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La joven Philomena, interpretada por Sophie Kennedy Clark, se embaraza en 1952 y es enviada a un convento en Roscrea, Irlanda. Ahí pasa "esclava" varios años haciendo mano de obra en la lavandería como castigo y compensación a las monjas que cuidaron de ella durante el parto. Estas lavanderías en los conventos, que parecen más como cárceles, es a donde los padres avergonzados mandaban a sus hijas desobedientes y fueron tema de la película del 2002 de Peter Mullan, <i>The Magdalene Sisters</i>. </div>
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Las jovenes que ahí conviven, pueden ver a sus hijos solo una hora al día y Philomena es obligada a firmar un contrato en donde acepta nunca investigar el paradero del suyo. En la escena más angustiosa de la película, se le observa mirar desde una ventana del convento como es que su hijo, Anthony, es llevado en un coche por una acaudalada pareja estadounidenses. El niño de 3 años de edad había sido vendido por 1,000 libras.</div>
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Cincuenta años después, Philomena, a sus setenta y tantos años, conoce a Martin Sixsmith (Steve Coogan), quien alguna vez fue corresponsal en el extranjero para la BBC y que ahora está obligado a ganarse la vida con las tareas del periodismo independiente. Martin, siendo cínico y ateo, convence a una Philomena inicialmente reacia a cooperar con él para escribir un artículo de revista sobre su historia. Cuando ambos visitan el convento, se les informa fríamente que todos los registros de la época fueron destruidos en un incendio.</div>
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La película amplía su enfoque cuando el trabajo detectivesco de Martin revela el probable paradero de Anthony, quien trabajaba para el gobierno de Reagan. Philomena insiste en acompañarlo cuando él decide volar a Washington. El filme no puede resistirse a la búsqueda de la comedia en este dúo poco probable. Philomena, una devota de las novelas románticas, prueba la paciencia de Martin al contarle las tramas de las libros que lee o, en lugar de visitar el Monumento a Lincoln, prefiere ver la película <i>Big Momma’s House</i> en la televisión del hotel. Martin es arrogante y raya en lo tosco en su búsqueda de la historia, con Coogan haciendo un trabajo impresionante al silenciar sus instintos de comediante al pintarlo como alguien intimidante. </div>
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A pesar de que existen momentos improbables y cambios bruscos de ritmo y tono, Dench y Coogan sostienen la película juntos y empujan hacia adelante una historia que termina donde comenzó. Al dar el mismo peso al escepticismo de Martin y a la fe de Philomena, la cinta se las arregla para tener su propio pastel y comérselo. </div>
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='640' height='360' src='https://www.youtube.com/embed/rG3QP8foCvg?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-19670055896182011962014-02-02T22:06:00.000-06:002014-02-02T22:06:38.140-06:00Crítica: El Heredero del Diablo <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyXeHA5Wfk_DlcPKkELQ9T7s802lRzCXkQqFjDDHEdkLaXuJe2eMpwGgNAREmF_jj_bwnjBYXEupOzDgKGhJZLmh4k7XXhYte9iUcv9V-T6ec13FOLHjhObtGkAJgBjmtMBQgEBkO_vz0/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyXeHA5Wfk_DlcPKkELQ9T7s802lRzCXkQqFjDDHEdkLaXuJe2eMpwGgNAREmF_jj_bwnjBYXEupOzDgKGhJZLmh4k7XXhYte9iUcv9V-T6ec13FOLHjhObtGkAJgBjmtMBQgEBkO_vz0/s1600/1.jpg" /></a></div>
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Lo mejor que se puede decir de <i>El Heredero del Diablo</i> es que, a diferencia de tantos proyectos baratos de la temporada baja, sus creadores al menos parecen respetar las costumbres e historia del género. Tomando como base a <i>Rosemary’s Baby</i>, que bien podría contar como un remake, la película gasta mucho esfuerzo construyendo algunas escenas de delirio y determinando concretamente la logística de su estilo de cámara al más puro estilo de <i>La Bruja de Blair.</i> Sin embargo, ofrece muy poco en términos de sustos reales o personajes cautivadores, y mucho menos en el aspecto de ideas originales.</div>
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Los dos protagonistas de la película son unos recién casados, Zach (Zach Gilford) y Samantha (Allison Miller ), cuya luna de miel decidieron pasarla en República Dominicana. Zach es un camarógrafo empedernido, como él mismo explica a detalle en una especie de pequeño monólogo desde el principio, y con una pequeña cámara, él y Samantha se aventuran a la vida nocturna de Santo Domingo. Después de una visita desastrosa a una vidente, los dos terminan perdidos en calles desconocidas, sólo para ser rescatados por un taxista prepotente (Roger Payano) que los transporta a un club subterráneo en las afueras de la ciudad, donde proceden a ponerse borrachos al punto de desmayarse. </div>
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Despertando en su hotel sin recordar en qué acabó la fiesta, la pareja regresa a casa y Samantha pronto descubre que está embarazada. No pasa mucho tiempo para que su embarazo comience a ir en direcciones nunca imaginadas, en las que los directores, Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, empiezan a lanzar escenas y elementos dignos de Roman Polanski, como el consumo de carne cruda, los peculiares regalos paganos, los accidentes de tráfico, las anomalías oculares y el nuevo obstetra espeluznante, por nombrar solo algunas. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_kDWg3SBmoC6StyZgKKVlmmC3gZPTDZ2RuLAiSFjU5Ph-qCpssMinUFMrhxf0G_7o_NPhcVkeizxlC13sc6CeRlr4JqXWdp8uNed3jihkox20kI4dRTZQeDDkVDMtZGdA5qxI18ZGgyc/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_kDWg3SBmoC6StyZgKKVlmmC3gZPTDZ2RuLAiSFjU5Ph-qCpssMinUFMrhxf0G_7o_NPhcVkeizxlC13sc6CeRlr4JqXWdp8uNed3jihkox20kI4dRTZQeDDkVDMtZGdA5qxI18ZGgyc/s1600/2.jpg" /></a></div>
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La cinta tiene una desviación significativa de la fórmula de Polanski al cambiar la perspectiva de la futura madre con el padre y con Zach finalmente comenzando a investigar los extraños sucesos. En manos más emprendedoras, esto podría haber sido potencialmente una subversión inteligente de las actitudes comunes en los actos de comedia masculinos, impregnando todos los característicos cambios de humor femeninos con atributos verdaderamente siniestros.</div>
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El cambio en el punto de vista simplemente aleja a la cinta de la profunda paranoia que hizo a <i>Rosemary’s Baby</i> tan eficaz. Samantha deja de ser un personaje totalmente humano un poco después de la mitad, lo que priva en gran parte a la película de su actriz más carismática. Gilford es suficientemente tolerable, pero su personaje se dibuja en una capa tan delgada que incluso nunca conocemos cuál es su profesión. </div>
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Los baches en la trama son numerosos, pero ninguno es más irritante que la ineficiencia de Zach para ver alguno de sus videos que graba a todas horas hasta que realmente es demasiado tarde. Y a pesar de que los directores suben de intensidad para un final espeluznante, no logran construir un temor previo a estos fuegos artificiales, convirtiendo la película en un popurrí de ideas individuales interesantes que nunca logran ser coherentes a algo verdaderamente inquietante.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-DmKlzLg-BhtV3EIykrOYV89Ar7TIuKGcfp2iHhiBK-oilraDcOsZiq6M6Yp6-RlJ3LT9qQshk801GCQMS8eq1asRqur7mdhuR6sP1ahRw4I2w8mHBvZLcDqXo1ndzlWY3Umx5JgjLag/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-DmKlzLg-BhtV3EIykrOYV89Ar7TIuKGcfp2iHhiBK-oilraDcOsZiq6M6Yp6-RlJ3LT9qQshk801GCQMS8eq1asRqur7mdhuR6sP1ahRw4I2w8mHBvZLcDqXo1ndzlWY3Umx5JgjLag/s1600/3.jpg" /></a></div>
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En un nivel técnico, <i>El Heredero del Diablo</i> luce y suena mejor que la mayoría de películas del mismo género. Los directores logran un buen efecto, sobretodo al ampliar gradualmente las fuentes de su material de archivo, partiendo desde una vista en primera persona y con cámara de mano, hasta recoger transmisiones de un circuito cerrado de seguridad. Las locaciones de Louisiana y República Dominicana también son bien exploradas, aunque en muchas ocasiones, las decisiones musicales son bastante extrañas, y el uso de una melodía de Brenton Wood durante los créditos finales, provoca más confusión y miradas escépticas que el giro final que le precede. </div>
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<object class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="https://ytimg.googleusercontent.com/vi/9W75C9D3J_s/0.jpg" height="360" width="640"><param name="movie" value="https://youtube.googleapis.com/v/9W75C9D3J_s&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><param name="allowFullScreen" value="true" /><embed width="640" height="360" src="https://youtube.googleapis.com/v/9W75C9D3J_s&source=uds" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true"></embed></object></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-32981197115778097172014-01-27T19:34:00.001-06:002014-01-27T19:34:49.390-06:00Crítica: La Ladrona de Libros <div style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi61IKlO9DDLTKikOw-K4QChwN0-oOYpYolqOyRXl4D-2FX_9P2z1skPZkFndKzJuPtXuCKQgq4IdUOVkxe34nhPTziLqRe7kdw2BuLRIYH5jiemanFc-bB-s2_L30Ir1BWmA-XarUot9A/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi61IKlO9DDLTKikOw-K4QChwN0-oOYpYolqOyRXl4D-2FX_9P2z1skPZkFndKzJuPtXuCKQgq4IdUOVkxe34nhPTziLqRe7kdw2BuLRIYH5jiemanFc-bB-s2_L30Ir1BWmA-XarUot9A/s1600/1.jpg" /></a>El bestseller internacional de Markus Zusak, <i>La Ladrona de Libros</i>, ha sido llevado a la pantalla grande con una eficacia tranquila y sabor meticuloso por el director Brian Percival y el escritor Michael Petroni. Esta historia de la Alemania nazi vista desde la perspectiva de una niña, se traduce en un drama sólidamente atractivo, aunque quizá no lo suficientemente llamativo o épico para abrirse paso en las primeras filas de los contendientes a los premios de la temporada. Alentado por los fans de la novela, el lanzamiento de Fox ha recibido buenas críticas y es equiparable a dramas de escala media de la Segunda Guerra Mundial como <i>The Reader</i> y <i>The Pianist</i>.</div>
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Petroni simplifica o elimina algunos personajes secundarios sin comprometer la esencia del libro. Al igual que en él, la historia es narrada por la Muerte misma (con la voz de Roger Allam), quien menciona al inicio que rara vez se involucra con los vivos, pero que tomó un interés particular en la joven Liesel Meminger (Sophie Nelisse). A ella se le ve por primera vez en una escena de 1938, donde va en un tren con su familia hacia un destino al que su hermano y madre nunca llegarán, ya que él tiene una grave enfermedad y ella es arrestada por sus inclinaciones comunistas. Así, Liesel llega sola a las puertas de sus nuevos padres adoptivos, un pintor de brocha gorda, Hans Hubermann (Geoffrey Rush), y su siempre dominante esposa, Rosa (Emily Watson).</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjo4gxA7ArVYKepgxGUGEN7B_lFrInzHVWECu2HUfZ8VLvbbO2-g3hbPehNnJlMKhXEjHJoohXQjPDgOtHdb7JRUNqvmPiQSvSMtNHgpYUGIdns4-CjkPE0VWIx6GiIiBmLW-Qz0jDoVSo/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjo4gxA7ArVYKepgxGUGEN7B_lFrInzHVWECu2HUfZ8VLvbbO2-g3hbPehNnJlMKhXEjHJoohXQjPDgOtHdb7JRUNqvmPiQSvSMtNHgpYUGIdns4-CjkPE0VWIx6GiIiBmLW-Qz0jDoVSo/s1600/2.jpg" /></a></div>
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Cuando se descubre que Liesel es analfabeta, lo que hace que sus compañeros de escuela se burlen de ella, Hans, amablemente, crea un juego para enseñarle a leer. El primer libro que conquistan es uno que ella tomó cuando se cayó de la chaqueta de un trabajador en el funeral de su hermano: <i>El Manual del Sepulturero</i>. Más tarde, ella se atreve a rescatar otro de una quema de libros durante un mitin nazi. Este acto atrae la atención de la solitaria esposa del alcalde de la ciudad, Frau Hermann (Barbara Auer), quien más tarde permite a Liesel, de manera clandestina, utilizar la biblioteca personal de su difunto hijo durante sus entregas de lavandería semanales en su imponente mansión.</div>
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En contraste, los Hubermann apenas logran sobrevivir gracias al servicio de lavado y planchado de Rosa y a los encargos de Hans, de quien sabemos durante la película que no cuenta con un gran empleo debido a su negativa a unirse al "Partido". Mientras pasa el tiempo y las privaciones de la guerra crecen más, su situación interna se vuelve más peligrosa con la llegada de Max Vandenburg (Ben Schnetzer), el hijo fugitivo de un compañero judío que salvó la vida de Hans durante la Primer Guerra Mundial. Moralmente, la familia está obligada a ocultar al joven de las autoridades y a curar sus heridas, pero crea un gran vínculo con Liesel. Ella jura no decir nada a nadie de su secreto, ni siquiera a su mejor amigo y vecino Rudy (Nico Liersch), aunque varias veces, la información se ve terriblemente cerca de ser revelada. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNtyPRcI9-Keqf7m4mrCI55ZWMHHXmoEsVcXfFcePoRRezX02ZKtV1ru7ImtIDUM2sFI4DJcMQtOXAOkP8msxjS8KmZ10F562cAblcP92U6dFT9FruKfuwP2O6PyoMU-0mWO49WUjJv6k/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNtyPRcI9-Keqf7m4mrCI55ZWMHHXmoEsVcXfFcePoRRezX02ZKtV1ru7ImtIDUM2sFI4DJcMQtOXAOkP8msxjS8KmZ10F562cAblcP92U6dFT9FruKfuwP2O6PyoMU-0mWO49WUjJv6k/s1600/3.jpg" /></a></div>
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En la película encontramos algunas escenas de ataques aéreos, de una búsqueda preocupante casa por casa por los oficiales nazis, de la segunda enfermedad grave de Max y de la respuesta histérica de Liesel cuando los prisioneros judíos marchan por la ciudad. Sin embargo, <i>La Ladrona de Libros</i> abarca estos años de guerra desde un punto de vista microscópico y rara vez va más allá de los personajes principales. Percival y Petroni se niegan a inflar artificialmente los puntos clave de la historia con fines melodramáticos o lacrimógenos. De la misma manera, dicha restricción inteligente puede parecerle a algunos como demasiado ecuánime y de ritmo lento. </div>
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Contribuciones de diseño impecable son destacadas por el sombrío y hermoso lente de Florian Ballhaus. La excelente música es creada por John Williams y representa su primera obra destacada en años para un director que no sea Steven Spielberg. Pero al final, las auténticas sorpresas de la película son los actores de sus dos protagonistas infantiles, Nelisse y Liersch, ya que previamente no habían aparecido en proyectos de tal magnitud. Ambos logran que la cinta transmita verdad por medio de interpretaciones que consiguen superar las limitaciones del guión para crear una conexión emocional entre lo que sucede en la pantalla y el espectador.</div>
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='640' height='360' src='https://www.youtube.com/embed/6dRuGwS1gWU?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-81616507004762349802014-01-19T19:50:00.002-06:002014-01-19T19:50:29.457-06:00Crítica: About Time (Cuestión de Tiempo)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaEj6eLsw3T6IUTYcjZHJfhmvwarQL0Wqx_lOTwjXk0NyhO3oZ3Mb8GYE4H_iZgnMVEH4ffTX_jsRP0I9_VZau3OhCvec_dJVmBnUWXGfikwfrS7jfMD-hWX5cClBYs3-kx5HaxsDaUD8/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaEj6eLsw3T6IUTYcjZHJfhmvwarQL0Wqx_lOTwjXk0NyhO3oZ3Mb8GYE4H_iZgnMVEH4ffTX_jsRP0I9_VZau3OhCvec_dJVmBnUWXGfikwfrS7jfMD-hWX5cClBYs3-kx5HaxsDaUD8/s1600/1.jpg" /></a></div>
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Si viajar en el tiempo fuera posible, ¿quién de nosotros dejaría pasar la oportunidad de visitar a un familiar fallecido, corregir los errores del pasado o ayudar a alguien necesitado? ¿Quién podría resistirse a la oportunidad de alterar la historia, aunque sea un poco? <i>About Time</i> es una comedia romántica que trata justamente sobre eso. Si bien es de baja tecnología, ya que propone que para regresar en el tiempo sólo hace falta cerrar los ojos en un closet oscuro y apretar los puños, la película añade un elemento imaginativo a una historia conmovedora.</div>
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Domhnall Gleeson toma el papel del simpático pelirrojo Tim Lake, quien inicialmente parece no tener problema más urgente en su mente que encontrar una novia. Él viene de una familia bohemia amorosa y Bill Nighy interpreta a su padre con una ironía divertida, mientras que Lindsay Duncan hace lo suyo actuando como su madre. Tim es muy cercano a su hermana Kit Kat (Lydia Wilson) y a su amable, pero mas bien tonto y olvidadizo, tío Desmond. </div>
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Desde un principio, Tim narra a la audiencia que tuvo una infancia feliz. Y ¿por qué no? Se crió en una hermosa finca junto al mar en Cornualles, Inglaterra, al lado de una familia afectuosa. Pero las cosas no son tan despreocupadas como parecen. En el cumpleaños 21 de Tim, su padre le revela un raro secreto: todos los hombres de su familia tienen la habilidad de viajar en el tiempo. Por supuesto, Tim se burla de esta idea y de sus raíces genéticas, hasta que, entra a un armario y cierra los ojos y los puños.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEie1JHFgkcTaPvGOhHtkRxVFzw-BI43Jj56AcJHabexnlvT9AsyAQqEhxgoJL2qAI80eBZGCDPXpZ81EGSaJPTS3R8cK-adg88QBityYKwdZdKmXFV5X0jDE0JC3jb_B9-QsneUiPIFrUU/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEie1JHFgkcTaPvGOhHtkRxVFzw-BI43Jj56AcJHabexnlvT9AsyAQqEhxgoJL2qAI80eBZGCDPXpZ81EGSaJPTS3R8cK-adg88QBityYKwdZdKmXFV5X0jDE0JC3jb_B9-QsneUiPIFrUU/s1600/2.jpg" /></a></div>
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Y tan rápido como una explosión, es transportado a la más reciente fiesta de Año Nuevo, en donde decide corregir el hecho de no haberse animado a besar a una chica. Sin embargo, después de una serie de eventos fallidos en asuntos amorosos, Tim hace sus maletas para irse a vivir a Londres, en donde practicará su profesión de abogado y le rentará un cuarto al dramaturgo sarcástico Harry (Tom Hollander).</div>
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Al poco tiempo, conoce a Mary (Rachel McAdams), pero, gracias a una cadena de sucesos, tiene que volverlo a hacer, aunque en esta ocasión, perfeccionando su encuentro gracias a su habilidad de viajar al pasado. Sin embargo, cabe mencionar que esta cualidad tiene sus restricciones. Algunos eventos, como nacimientos y muertes, deben permanecer intactos, por lo que el refinamiento temporal se limita a acontecimientos menores. Finalmente, Tim y Mary se enamoran, se casan y tienen hijos, pero, mientras son felices, hay un suceso familiar que da a la historia su peso emocional. </div>
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Un pequeño fallo en el guión es que los hombres de la familia Lake no le dicen a las mujeres que aman acerca de su habilidad especial, pudiendo parecer extrañamente sexista, o al menos deshonesto. En el caso del padre de Tim, uno pensaría que su astuta esposa habría adivinado el secreto de su marido en el transcurso de su largo matrimonio. Pero al final, este detalle es una pequeñez sin importancia en el gran esquema de una película sincera. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY60mrrn0oomf7N_jocVEqtio5JMlGF49wjDip0JvqKm4D2oz5ZzHb99swXD9fYOssg3nNVPHPIjuW6Y1EPMWzXAc_cGLrKCacTrPhLl0EnQnvrm5Mt5gc_uhHUhRL1u5Yn9FO5F3kfhY/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiY60mrrn0oomf7N_jocVEqtio5JMlGF49wjDip0JvqKm4D2oz5ZzHb99swXD9fYOssg3nNVPHPIjuW6Y1EPMWzXAc_cGLrKCacTrPhLl0EnQnvrm5Mt5gc_uhHUhRL1u5Yn9FO5F3kfhY/s1600/3.jpg" /></a></div>
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Lo que impide que la cinta se vuelva demasiado empalagosa, es la presencia de problemas de la vida real y la manera reconfortante y humorística en la que el director, Richard Curtis, aborda los temas del amor, el dolor y la muerte. También pinta una relación padre-hijo maravillosamente tierna entre Nighy y Gleeson.</div>
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Otro punto a su favor, es que no convierte el viaje en el tiempo en un truco de ciencia ficción y lo usa como un medio para estudiar cómo aprovechar al máximo la vida en el presente. La película también trata conmovedoramente el tema de dejar que algunos eventos pasen y que algunas personas se marchen. </div>
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Curtis tiene una manera muy particular de hacer esta aventura potencialmente sentimental al inyectarla con sarcasmo, humor despectivo y emoción enternecedora, tal como lo hizo con <i>Love Actually</i> y <i>Four Weddings and a Funeral</i>. ¿El resultado? Un filme divertido y entretenido que te sacará una o dos lágrimas y te dará una gran lección de vida. </div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-53542987248681858992014-01-14T15:11:00.002-06:002014-01-14T15:11:18.598-06:00Crítica: El Juego de Ender <div style="text-align: justify;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4N_jqyBfK7lNHmRJ56Z33fnFFR5tCIyjc2uL_Z30rWBLk2iR70qICEx7Cyyou49Elqf3_stEh2BjtkpOQkIAfAtSCfRkuCK7vzx2iN46uw2gxmqcMPHMWjx-gHhaHd3Kiz66Ilb1c-3s/s1600/ender1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4N_jqyBfK7lNHmRJ56Z33fnFFR5tCIyjc2uL_Z30rWBLk2iR70qICEx7Cyyou49Elqf3_stEh2BjtkpOQkIAfAtSCfRkuCK7vzx2iN46uw2gxmqcMPHMWjx-gHhaHd3Kiz66Ilb1c-3s/s1600/ender1.jpg" /></a></div>
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La versión cinematográfica de <i>El Juego de Ender</i> de Orson Scott Card es demasiado amable y el drama sufre mucho por ello. La película junta demasiada historia en 114 minutos, tiene errores graves de ritmo y no luce tan grande como debería. Pero el mayor problema del filme, es su tono y caracterización: los personajes hablan constantemente acerca de qué tan grandes quieren ser, pero sus acciones indican lo contrario. </div>
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El escritor y director, Gavin Hood, hace lucir al héroe, Ender (Asa Butterfield), como un chico brillante y bueno que también tiene lo que los adultos llaman un buen instinto asesino; es un estratega inteligente, aunque potencialmente empático, perfectamente adecuado para combatir a los Formics, una raza alienígena. El problema es que el Ender de Card no es un buen chico que pasa a hacer cosas malas porque las circunstancias lo requieren. La película lo hace parecer de esa manera y ablanda el carácter y la historia.<br />
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A quienes nunca han leído el libro nunca podrían saber que este cambio se realizó, pero que deberían, ya que explica por qué la película se siente bastante como otra cinta de ciencia ficción y fantasía con jóvenes. El filme ablanda los personajes de Card, los profesores del héroe son demasiado accesibles y sus amigos de la misma edad son excesivamente amables. En pocas palabras, el director no confía en la audiencia para digerir el duro mensaje del libro.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4tAh32M-D6krjOIVXuWfZ6tftE4HKmk0UaSgwLoNzBcKrOFiqJUc6ouHig0-F2AAQpP1GMWtnHF2aABpF6Y6KR9uABtXOZlzritoZ-cqcH8DHx5kW7YDBfCZzXFLgSKjJrpWVJilK2ME/s1600/ender2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4tAh32M-D6krjOIVXuWfZ6tftE4HKmk0UaSgwLoNzBcKrOFiqJUc6ouHig0-F2AAQpP1GMWtnHF2aABpF6Y6KR9uABtXOZlzritoZ-cqcH8DHx5kW7YDBfCZzXFLgSKjJrpWVJilK2ME/s1600/ender2.jpg" /></a></div>
Al inicio de la cinta, el coronel Graff (Harrison Ford) introduce a Ender a sus colegas como el elegido que terminará la guerra contra los Formics. Cuando lo vemos en la escuela, golpea brutalmente a uno de sus compañeros con el fin de evitar pleitos a futuro. Sin embargo, la película comienza a lijar las asperezas de Ender casi de inmediato y a lo largo de toda ella, el protagonista lucha para dejar de planear estratégicamente y empezar a pensar con empatía, pero hace ese cambio con demasiada facilidad.<br />
<br />
La película omite varias escenas cruciales de la novela en donde vemos a Ender crecer tanto como cadete militar como animal social, y estropea un par de momentos clave que muestran al protagonista aprobando o reprobando las principales pruebas de carácter. Para empezar, se supone que Ender debe de ser un objetivo cuando entra en la Escuela de Batalla, el campo de entrenamiento del espacio exterior donde los niños aprenden a dirigir, seguir y planear. En el camino, Graff destaca a Ender como el más brillante de los nuevos reclutas y después conoce a Bean (Aramis Knight), Petra ( Hailee Steinfield ) y Bonzo (Moises Arias), un recluta de alto rango que lo intimida. <br />
<br />
Graff comienza a presumir a su colega, Gwen Anderson (Viola Davis), de que está aislando a Ender, pero en la película, él siempre está rodeado de personas que se preocupan por él y el propio Graff siempre le sonríe después de casi toda prueba de entrenamiento. Ender tal vez no tenga control de sus decisiones, pero en la adaptación cinematográfica, siempre te das cuenta de que alguien responsable las toma por él. <br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeo3UybABMvAukZeGRN7AYzkBoJD3jeb_sBMFnsHu6SzZ9dY0mD8gpLMNCzAv6oEnrIq9vFJjgRDnUq_n4UcmC1P1lIKgHJ7g4sw1QMDbDUNp7bT-2yEAf_os8dsjgE-UtxcPDq2GHCD8/s1600/ender3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeo3UybABMvAukZeGRN7AYzkBoJD3jeb_sBMFnsHu6SzZ9dY0mD8gpLMNCzAv6oEnrIq9vFJjgRDnUq_n4UcmC1P1lIKgHJ7g4sw1QMDbDUNp7bT-2yEAf_os8dsjgE-UtxcPDq2GHCD8/s1600/ender3.jpg" /></a></div>
Debido a que Hood tiene una cuota de puntos de la trama que tiene que abarcar en un periodo relativamente corto de tiempo, las escenas más fuertes son aquellas en las que la película deja de mirar el reloj un poco y permite a Ender tomarse el tiempo necesario para explorar su mundo, sus sesiones de entrenamiento, la sala de batalla, etc.<br />
<br />
Desafortunadamente, el director cojea en estas partes por tener personajes que verbalmente explican lo que está pasando en lugar de simplemente mostrarlo, y algunas de las secuencias de efectos especiales más intensas parecen baratas. Incluso, el aspecto de sus relativamente impresionantes batallas espaciales son decepcionantes, porque rara vez Hood permite a los espectadores perderse en el vasto mundo de Ender.<br />
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='640' height='360' src='https://www.youtube.com/embed/2UNWLgY-wuo?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-82116330138699511712014-01-07T20:23:00.000-06:002014-01-07T20:23:06.388-06:00Crítica: The Secret Life of Walter Mitty <div style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqCbhNHOlNo8w1UcnG-MyHOVJ97on47hIud00ixJ9DtyWtD9LEMbtHKVn87H4B_hnx8fq190oAJrLhdvTGdjZcTIKUc4XhFYufw2T3HG57pwzwqyJXhj4v0Tc5qXl9VWzdZ1Fjcyvg3oo/s1600/walter1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqCbhNHOlNo8w1UcnG-MyHOVJ97on47hIud00ixJ9DtyWtD9LEMbtHKVn87H4B_hnx8fq190oAJrLhdvTGdjZcTIKUc4XhFYufw2T3HG57pwzwqyJXhj4v0Tc5qXl9VWzdZ1Fjcyvg3oo/s1600/walter1.jpg" /></a>El recuento del director y protagonista Ben Stiller de <i>The Secret Life of Walter Mitty</i> es una fábula seria (pero no del todo eficaz) que habla sobre escapar del bache de la vida cotidiana y aprovechar el cambio. Muy vagamente basada en la historia corta de 1939 de James Thurber (que fue llevada con anterioridad a la pantalla grande en 1947 y protagonizada por Danny Kaye), la adaptación de Stiller representa al personaje principal como un buen hombre que lleva una vida monótona y rutinaria.</div>
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Los elaborados sueños de día de Walter implican fantasías de sí mismo como héroe de acción o explorador romántico. Pero en realidad, es un hombre tranquilo, con una vida tan aburrida que un representante implacablemente útil del centro de llamadas eHarmony trata de ayudarlo a mejorar su perfil en línea para que pueda obtener algunas visitas. Pero la intención de Walter no es esa, sino la de captar la atención de Cheryl (Kristen Wiig), una compañera de trabajo que también tiene su propio perfil en eHarmony.</div>
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La anticuada profesión de Walter implica el manejo y catalogación de negativos de fotos para la revista LIFE. La era digital ha terminado por absorber a la venerable publicación, cuyos nuevos propietarios deciden cancelar la edición impresa y mover la operación completa al mundo en línea, por lo que los despidos son inminentes.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilPuG2opKVOTKVloy5e380wO_XL30e0yOXZIpXgLkOaqq-U7WiCQ0rgbMVQ7DNM9PYE_YSR9cdfQL_ES8I7yhoqsqbhC1_vICzHNvDx1pPz5-p2Fpn8JR55YQVJCM2mFefkzJF1CdxoRs/s1600/walter2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilPuG2opKVOTKVloy5e380wO_XL30e0yOXZIpXgLkOaqq-U7WiCQ0rgbMVQ7DNM9PYE_YSR9cdfQL_ES8I7yhoqsqbhC1_vICzHNvDx1pPz5-p2Fpn8JR55YQVJCM2mFefkzJF1CdxoRs/s1600/walter2.jpg" /></a></div>
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La tarea de Walter en este último movimiento consiste en proporcionar a sus nuevos jefes la imagen que adornará la edición final impresa de LIFE, una foto tomada por el legendario reportero gráfico Sean O'Connell (Sean Penn en un cameo extendido) quien todavía hace su labor a la antigua. Pero aquí está el problema: el negativo de la foto en cuestión ha desaparecido y Walter, temiendo por su trabajo, decide que tendrá que localizar a O'Connell en Groenlandia para conseguirla, o al menos algunas respuestas, ya que O'Connell no tiene un teléfono celular y es difícil contactarlo. El viaje verá a Walter comenzar a vivir algunas de las mismas aventuras con las que hasta ahora sólo había fantaseado.</div>
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Uno de los problemas de la película es que la vida secreta del protagonista no tiene ninguna conexión real con lo que quiere ganar: el corazón de Cheryl. Ella no está al tanto de sus hazañas en el extranjero, viendo sólo al hombre cambiado cuando regresa, más seguro y presentable. Sí, sus aventuras le dan confianza, pero también lo haría una membresía de un gimnasio y un bronceado de un día en la playa. Y las propias fantasías, a pesar de que son divertidas y entretenidas, son muy efímeras. Son básicamente pequeñas viñetas en el primer acto, pero luego todo se trata del paso de Walter por Groenlandia, Islandia y más tarde, el Himalaya.</div>
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La apuesta es muy baja para una historia que involucra fantasía y viajar por el mundo. Se trata básicamente de un tipo que quiere invitar a salir a la mujer del cubículo de enfrente y cuya tarea principal es encontrar un negativo fotográfico de modo que LIFE no tenga que usar una imagen diferente para su portada final. Todo es mucho ruido y pocas nueces, aunque se podría argumentar que al hacer las apuestas tan mundanas como la vida cotidiana de Walter, la película de alguna manera está tratando de ser más sencilla para identificarse con los cinéfilos de todos los días.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEii1jcr8aNv_aeMKjiokv_Bwh491h5YadEkIeZ-exMagK_SkARne9M1nnt_WzQNKgVkIyGlzKAG_J9n_56dxcZqjpEpx4QEBUmLpZwx_5GGNKnW7eq-ZZhUa7Py9RqWSrCowEyQrbxZFeI/s1600/walter3.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEii1jcr8aNv_aeMKjiokv_Bwh491h5YadEkIeZ-exMagK_SkARne9M1nnt_WzQNKgVkIyGlzKAG_J9n_56dxcZqjpEpx4QEBUmLpZwx_5GGNKnW7eq-ZZhUa7Py9RqWSrCowEyQrbxZFeI/s1600/walter3.png" /></a></div>
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Hay momentos de liberación emocional proporcionados por algunas de las aventuras reales de Walter, ya sea cuando suena la canción <i>Space Oddity</i> de fondo mientras se apresura a subirse a un helicóptero, o andar en patineta en un hermoso paisaje. Las situaciones de tranquilidad entre Stiller y Wiig son agradables y dulces, pero el personaje de ella es básicamente una idea y no una persona, sin personalidad discernible real. Por otro lado, el personaje de Penn es la personificación del machismo y la autosuficiencia, y al actor ganador del Oscar le queda a la medida. Es un papel pequeño, guardado para la recta final de la cinta, pero que vale la pena esperar para verlo. </div>
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Técnicamente, la parte visual del filme es impresionante gracias a la cinematografía poética de Stuart Dryburgh. El estilo de dirección de Stiller es una mezcla de Spike Jonze, Michel Gondry, Wes Anderson, e incluso un poco de Woody Allen. Es un intento admirable, pero uno sospecha que alguno de esos cineastas antes mencionados habrían tenido un control más fuerte sobre el balance de la narrativa de los géneros (drama, comedia romantica, fantasía y aventura) que Stiller intenta mezclar aquí.</div>
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<i>The Secret Life of Walter Mitty</i> es una película dulce cuya intención es inspirar y animar a su público, pero se acerca a su mensaje con la misma sutileza que la elevación del azúcar en una persona. Tiene muchos momentos entretenidos y entrañables. La mayoría de sus problemas vienen desde el papel, pero aún así, es un escape digno de nuestra rutina diaria, sólo que no tan grande como muchos esperaban. </div>
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='640' height='360' src='https://www.youtube.com/embed/RTWPbgh5eiA?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-41722789172063575242013-12-16T22:50:00.000-06:002013-12-16T22:50:12.049-06:00Crítica: The Hobbit: The Desolation of Smaug<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh93HHPcmuBPx7M56HprvmH1ir2fBr-AdiIPU6tVl0oFeslToGXf-pIBFUBBRz96eMROV-hBzYzzY949CEVhTtdH86zihNHdrNbyTetpwyupHcOToaB-beGR3-tz58DrwH7LdC1PAWaSGw/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh93HHPcmuBPx7M56HprvmH1ir2fBr-AdiIPU6tVl0oFeslToGXf-pIBFUBBRz96eMROV-hBzYzzY949CEVhTtdH86zihNHdrNbyTetpwyupHcOToaB-beGR3-tz58DrwH7LdC1PAWaSGw/s1600/1.jpg" /></a></div>
Aunque sigo sin estar del todo convencido sobre el proyecto vanidoso de Peter Jackson para inflar una adaptación de una historia para niños de J.R.R. Tolkien de 1937 en forma de una precuela de tres partes de <i>The Lord of the Rings</i>, al menos con el capítulo medio, <i>The Desolation of Smaug</i>, vemos hacia dónde está apuntando el director. Se trata de una aventura ideal para todas las edades, cargada con escenas de pelea de ritmo rápido, grandes efectos especiales y personajes secundarios que sólo puedes amar u odiar.<br />
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En términos de tono y ritmo, esta película se siente más como <i>The Adventures of Robin Hood</i> de Errol Flynn que como algo proveniente de Tolkien, aunque no es un mal modelo. Ya es tiempo de aceptar que Jackson ha tomado prestado el argumento y los personajes de <i>The Hobbit</i> para su propia empresa de escala tipo George Lucas, la cual ahora luce mucho más prometedora después de que el primer episodio fuera un poco aburrido, confuso y demasiado pintoresco.</div>
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Jackson y sus colaboradores pueden afirmar plausiblemente que han basado la mayor parte de <i>The Desolation of Smaug</i> en la obra de Tolkien, pero no necesaria o exclusivamente en el texto original de <i>The Hobbit</i>. Han saqueado exhaustivamente cada nota o referencia entre paréntesis de <i>The Lord of the Rings</i> que pueda arrojar algo de luz de los acontecimientos de <i>The Hobbit</i>, lo que conduce a la interpolación e invención de todo tipo de personajes controvertidos que no se encuentran en el libro.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHGO2ZPztMUSrwExk1srWV02WrVcPBJ8XQH-7iK5zEMNS19BLsN64zmLWOD_gHVrOCXkZMFuO5Lz_livNYGGoyUcrwvsUX6_EFqVW5hX-zCkFNio4X8uQ8SzDBsRhbvjeZhGgZhs_oyH0/s1600/2.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHGO2ZPztMUSrwExk1srWV02WrVcPBJ8XQH-7iK5zEMNS19BLsN64zmLWOD_gHVrOCXkZMFuO5Lz_livNYGGoyUcrwvsUX6_EFqVW5hX-zCkFNio4X8uQ8SzDBsRhbvjeZhGgZhs_oyH0/s1600/2.png" /></a></div>
En la primera película de la trilogía, por ejemplo, nos encontramos con el lamentable mago Radagast the Brown (Sylvester McCoy), con su cabello lleno de excremento de pájaro y trineo jalado por conejos. A pesar de que este personaje sí es mencionado en los libros de <i>The Hobbit</i> y <i>The Lord of the Rings</i>, en ellos nunca aparece en persona, y de hecho vuelve a presentarse en <i>The Desolation of Smaug</i> con un rol menos importante. </div>
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Por otra parte, Elrond (Hugo Weaving) y Saruman (Christopher Lee) no reaparecen en la secuela, y el papel de Gandalf (Ian McKellen) se mantiene bastante en segundo plano, aunque todos ellos es un hecho que volverán en el episodio final. Algo interesante es que Legolas (Orlando Bloom), uno de los personajes más queridos de <i>The Lord of the Rings</i>, llega de la nada y tiene la misión de ayudar a Bilbo y a su banda de enanos vengativos a sobrevivir a una ola de orcos merodeadores y a llegar a The Lonely Mountain. </div>
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Esto es algo complicado de entender para los fans, ya que Legolas nunca aparece en el libro de <i>The Hobbit</i>, lo cual no es de sorprender ya que Tolkien aún no lo había inventado, pero incluso los seguidores más asiduos del autor admitirán que hay cierta lógica al introducirlo en la historia. Después de todo, los elfos viven por miles de años, y el arrogante padre de Legolas, Thranduil, es una figura importante en la historia de <i>The Hobbit</i>. </div>
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Pero eso no es todo. También está la guerrera elfa de nombre Tauriel (Evangeline Lilly) y su tempestuoso triángulo amoroso con Legolas y el enano Kili. Estoy cien por ciento seguro que esta parte es totalmente inventada, pero no es algo que en realidad moleste. Es decir, introducir una historia de amor entre una elfa rebelde y un enano va más allá de lo que Tolkien hubiera tolerado, pero equivale a una declaración de independencia por parte de Jackson. Esta trilogía se ha convertido en algo propio y libre, más que en una adaptación, y si bien hay mucho de eso que en lo personal yo hubiera hecho de otra manera, es buen entretenimiento en sus propios términos. </div>
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A pesar de que muchas personas sintieron que la primera película era un poco lenta, la acción en <i>The Desolation of Smaug</i> se siente más viva y presente. Por ejemplo, tenemos un misterioso viaje con Gandalf y Radagast a una espeluznante cripta de la cual, sus nueve ocupantes han escapado. Cuando no estamos ocupados viendo escenas de romance con las bellezas elfas, el valiente Bilbo, el corpulento Thorin y sus compañeros luchan contra arañas gigantes y grupos de orcos asesinos liderados por Azog the Defiler, o escapar del reino de Thranduil en barriles y entrar de contrabando a Laketown gracias al barquero en conflicto Bard, quien después jugará un papel importante en la batalla contra Smaug. </div>
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A pesar de que la mayoría de los enanos (a excepción de Thorin) mantiene una esencia británica, los gloriosos escenarios de libro de cuentos de hadas están llenos de impresionantes personajes secundarios, desde Bard y el corrupto Master of Laketown (Stephen Fry) hasta el vanidoso Thranduil y Beorn (Mikael Persbrandt), el oso-hombre que cambia de forma a placer. Por su parte, Martin Freeman (Bilbo) no tuvo una gran impresión en mí como en la primera película gracias a su comedia doméstica, ya que en este capítulo, debido a su uso continuo del anillo para eludir a las arañas, los orcos y los elfos, hace que adquiera un comportamiento cada vez más parecido al de Gollum. </div>
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En el último tercio de la película, Bilbo logra entrar al reino subterráneo de los enanos, Erebor, y se encuentra cara a cara con Smaug. Con la voz de Benedict Cumberbatch, el dragón es una presencia imponente, lograda gracias a los impresionantes efectos especiales. Él, Jackson y Bilbo, nos dejan colgando de un acantilado narrativo y sin aliento, esperando por el enfrentamiento final. </div>
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No cabe duda que gran parte de la magia, el misterio y la simplicidad que han hecho del trabajo de Tolkien algo tan llamativo se sacrificó aquí gracias a las demandas de una excelente pero esencialmente familiarizada película de acción y aventuras con montones de efectos por computadora, más cercana en forma y espíritu a <i>The Avengers</i> que a un cuento de hadas metamorfoseado de Tolkien. </div>
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Por una parte, siento un poco de tristeza por eso, pero uno también puede quejarse de que los niños de ahora no van a la ópera o que no leen a Virgilio en su idioma original, aunque siempre habrá un puñado de gente que todavía hace y seguirá haciendo esas cosas. A pesar de que Jackson se ha alejado mucho de <i>The Hobbit </i>con trineos impulsados por conejos, personajes inexistentes de la obra original y disturbios amorosos élficos, para fortuna de los más puristas, el libro que empezó todo siempre estará ahí para ellos. </div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-81197391293225504462013-12-10T22:31:00.002-06:002013-12-10T22:31:48.398-06:00Crítica: The Frozen Ground<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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Hay varias razones por las que una persona podría estar emocionada por <i>The Frozen Ground</i>, el debut como director de Scott Walker. Algunas de ellas incluyen a Nicolas Cage, John Cusack y 50 Cent. Esta película, la cual se lleva a cabo en los alrededores de Anchorage, Alaska de 1983, cuenta con algunas decisiones de elenco interesantes. Está protagonizada por Nicolas Cage, quien toma el papel de un policía estatal moralmente recto llamado Jack Halcombe.</div>
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Apenas dos semanas antes de que él fuera llamado a dejar el cuerpo de policía para un trabajo con una compañía petrolera, se queda enganchado gracias al intento de captura de un asesino en serie, Robert Hansen (John Cusack), que durante años ha violado y asesinado a varias mujeres jóvenes para después enterrar sus cuerpos en el despoblado. </div>
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50 Cent también tiene un papel relativamente menor como proxeneta y cuyo nombre es Clate Johnson, mientras que Vanessa Hudgens interpreta a una prostituta de 17 años de edad, quien se las arregla para escapar de la abducción de Hansen al principio de la película, lo que la convierte en la única persona que puede testificar en su contra. </div>
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Así que ahí lo tienen, un guión básico y actores que hacen de esta película algo atractivo. Pero los espectadores, buscando una historia de crimen o una clase de parodia debido a la combinación de Cage y 50 Cent, no encontrarán nada por el estilo, ya que <i>The Frozen Ground</i> se toma a sí misma demasiado en serio como para llegar a eso. </div>
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La película está basada en hechos reales y de hecho, Robert Hansen fue un asesino en serie quien logró estar bajo el radar como panadero de pueblo y hombre de familia que al mismo tiempo asesinó a 21 mujeres durante el transcurso de tres años. Jack Halcombe está inspirado también en el detective real, Glenn Flothe, mientras que Cindy Paulson, el personaje de Vanessa Hudgens, también existió y es al final de la película que sabemos que gracias a su realización es que se cuenta por primera vez su historia. </div>
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Uno de los principales problemas de la película es que ésta no trata sobre Paulson, Halcombe o Hansen. En su fidelidad con los eventos reales, se vuelve un filme que cuenta la historia de estos personajes pero que al mismo tiempo mantiene una distancia segura de todos ellos. Esto es desafortunado, ya que <i>The Frozen Ground</i> pudo haber sido un thriller psicológico convincente en la misma línea que <i>Insomnia </i>de Christopher Nolan o una cinta de cine negro como <i>Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans</i>, en donde Nicolas Cage actúa como un sargento de policía drogadicto.</div>
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<i>The Frozen Ground</i> es, en su lugar, una historia de crimen muy vaga y fácilmente olvidable, la cual se pudo haber visto beneficiada con un mayor desarrollo de los personajes o al menos con un enfoque de la narrativa en un protagonista central. Sin embargo, esto hubiera sido una difícil decisión, ya que las historias de los tres son igualmente convincentes, pero haberse quedado indecisa en este aspecto fue un grave error de la película. Si hay un personaje principal por defecto es quizás el detective Halcombe, pero la atención que recibe no es siquiera la suficiente y el papel que tiene su esposa (Radha Mitchell) puede ser totalmente ignorado. </div>
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Todo esto no es para dar a entender que la película carece de tensión dramática o que es totalmente plana. Sí hay momentos de presión, por ejemplo cuando el personaje antisocial de Cusack se encuentra vagando por los barrios bajos de Anchorage en la búsqueda de Paulson o cuando Halcombe finalmente logra interrogar al asesino serial. A pesar de esto, mi recomendación es mantenerse alejado de esta película y optar por alguna otra opción, sobretodo después de la salida reciente de varios thrillers a los que sí vale la pena echarles un ojo. </div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-73923691560259928982013-12-02T17:39:00.000-06:002013-12-02T17:39:59.174-06:00Crítica: Captain Phillips<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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De vez en cuando escuchamos en las noticias historias de piratas en los altos mares, las cuales casi siempre evocan la misma pregunta: ¿aún existen piratas en el mundo actual? La realidad es que sí y en la nueva película de Paul Greengrass, <i>Captain Phillips</i>, aprendemos un poco de cómo son y por qué y cómo hacen lo que hacen.</div>
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La historia de la película está basada en el secuestro de la vida real del barco Maersk Alabama que tuvo lugar en el 2009 y en las memorias de Richard Phillips, su capitán. Tom Hanks es excepcional en este papel y nos muestra una actuación muy diferente de aquellos roles en los que estamos acostumbrados a verlo. </div>
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Sean cuales sean las explicaciones políticas y la resonancia emocional a la que Greengrass está apuntando, <i>Captain Phillips</i> es más que nada una impresionante historia de aventura marítima. La película comienza con Phillips preparándose para zarpar; estará viajando desde Omán hasta Mombasa, Kenia. Él y su tripulación saben que existe la posibilidad de ser víctima de la piratería, de hecho están entrenados para ello, pero parece una amenaza de bajo nivel, sólo otra casilla más para marcar mientras se preparan.</div>
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Sin embargo, Phillips es un hombre tranquilo que no convive mucho con la tripulación. Para él todo se trata de trabajar y nunca charla con los demás hombres del barco mientras éstos disfrutan de su descanso. De hecho, cuando cree que ya se han relajado lo suficiente, los manda de vuelta a trabajar, de una forma directa y sin rodeos.</div>
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Después Greengrass nos lleva a Somalia, donde una clase diferente de preparación se está llevando a cabo. Un caudillo militar local que, obviamente aterroriza a los habitantes del pueblo, llega y le reclama a la gente, diciéndoles que necesitan obtener más dinero, y apoderándose de algunos barcos es la manera de hacerlo. Su comportamiento, y sus matones, dejan bien en claro que esto no es una negociación sino una orden.</div>
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Así que un hombre llamado Muse (Barkhad Abdi) y otros se dirigen al mar en frágiles lanchas de motor, buscando una embarcación que pudieran robar. Cuando descubren el Maersk Alabama, creen que se han ganado la lotería y después de mucho estira y afloja, logran subir al barco y exigirle dinero a Phillips y a la tripulación. Es casi surrealista ver a estos cuatro hombres bien armados tomando el control del buque. </div>
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Al parecer nuestra tarea como espectadores es establecer paralelismos entre Phillips y Muse. Ambos son capitanes de una tripulación con la que no están relacionados y los dos están buscando tener el control. Es un concepto interesante, pero los acontecimientos conspiran para empujarlo a un segundo plano. Sin ir muy lejos, en el último tercio de la película, la Marina de Estados Unidos y sus equipos SEAL son llamados a la acción. </div>
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De nuevo, parece una situación del tipo David contra Goliat y en algunos aspectos la es, aunque involucra más que dominar al oponente. Se necesita estrategia, paciencia y una inmensa concentración. Aquí, al igual que representa la razón por la que los somalíes recurren a la piratería, Greengrass nos muestra por qué las cosas suceden de la manera en que lo hacen. Las soluciones fáciles son raramente tan simples como nos imaginamos.</div>
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Hanks brilla como el reservado Phillips, sin ningún encanto de sus tradicionales papeles de chico bueno. Y en una escena al final, otra vez sin echar a perder las cosas, su actuación es simplemente asombrosa. Abdi es también fantástico; Muse no es sólo un matón sin sentido, es un hombre atormentado que es empujado a una situación desesperada.</div>
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Greengrass trae la urgencia de las películas de <i>Bourne </i>que dirigió a las actuaciones de su nueva cinta, con cámaras de mano que se suman a la inmediatez. Esto es particularmente efectivo cuando la acción se desplaza a un escenario más claustrofóbico. La aventura del Capitán Phillips no está destinada a ser viento en popa, pero en general, es un viaje que vale mucho la pena compartir con él.</div>
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='640' height='360' src='https://www.youtube.com/embed/Sp6jpeDeQmE?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-88338193657943111972013-11-26T09:35:00.000-06:002013-11-26T09:35:01.630-06:00Crítica: Prisoners <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnKbVMPmEeNYfXcN05Vw7jE0kjKsgRZbDVPmAOr058r2l-Iz25HJ8E4IZDh99-EBbvrCdp-X9kyZa4aKXp11iT8uKYDQkVVS8rJXoBF4hYYLDB2ISZA3OPeczcs_fy1NCjIQGRi4SWfA8/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnKbVMPmEeNYfXcN05Vw7jE0kjKsgRZbDVPmAOr058r2l-Iz25HJ8E4IZDh99-EBbvrCdp-X9kyZa4aKXp11iT8uKYDQkVVS8rJXoBF4hYYLDB2ISZA3OPeczcs_fy1NCjIQGRi4SWfA8/s1600/1.jpg" /></a></div>
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¿Qué tan lejos irías para proteger a tus seres queridos? ¿Qué límites estás dispuesto a cruzar? Éstas son las preguntas planteadas en el quinto largometraje del director Denis Villeneuve, un examen melancólico, visceral y emocional del trauma, la pérdida, el pecado y la liberación. En una noche fría y húmeda de Acción de Gracias en las afueras de Pennsylvania, Keller Dover (Hugh Jackman), un padre amoroso, cazador y siempre preparado para la supervivencia, y su esposa (Maria Bello), se reúnen con los Birches (Viola Davis, Terrence Howard) para su cena anual de pavo. Risas y buenos momentos tienen lugar, pero en un abrir y cerrar de ojos, su velada se torna muy mal.</div>
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De repente, las hijas de ambas parejas, que sólo salieron a jugar a la casa de al lado, se han perdido y los miembros de las familias no las encuentran por ningún lado. A medida que sacuden el barrio, la preocupación crece y se torna en alarma; tiemblan en pánico y luego estallan en un punto crítico de terror y desesperación. Sin embargo, hay una pequeña pista, una casa rodante que fue vista cerca de la escena del secuestro ha sido encontrada cerca de una gasolinera. Un policía solitario y singularmente determinado, el detective Loki (Jake Gyllenhaal) llega ahí, donde encuentra a un sospechoso lleno de pánico que intenta, sin éxito, huir. El sospechoso es Alex Frost (Paul Dano), un discapacitado mental que jura no saber nada del crimen. </div>
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Liberado 48 horas después para volver a los brazos de su tía (Melissa Leo) debido a la falta de evidencia, la impaciencia, miedo y frustración de Dover comienza a chocar con la incapacidad de las autoridades de acusar al joven. Su creciente preocupación por la vida de su hija al saber que mientras más espere, menos oportunidades hay de verla viva, hace que se torne en un giro violento, convirtiéndolo en una máquina de tortura moralmente inquietante y brutal. Lejos de tratar de ser la película del año, <i>Prisoners </i>es oscura en casi cada fotograma y muestra la peor pesadilla de cada padre con una excelente mezcla de suspenso, terror e intriga. Observar la carga emocional del secuestro sobre las familias, la policía y la comunidad es particularmente brutal y conmovedor.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMmklviSy_mJi58kg8YB_EW4UGsgBRSeVwPyExSQxktzXdsx2JMs_cyRpS0aVzwgMk98XScMUOUalsi688s3mhdFnH6ZnifTDXoYbWvf3EMbloDK13anYtDVkpQQ8Y0mhigI4LsbqysHI/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMmklviSy_mJi58kg8YB_EW4UGsgBRSeVwPyExSQxktzXdsx2JMs_cyRpS0aVzwgMk98XScMUOUalsi688s3mhdFnH6ZnifTDXoYbWvf3EMbloDK13anYtDVkpQQ8Y0mhigI4LsbqysHI/s1600/2.jpg" /></a></div>
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Contando ya con una nominación al Óscar por <i>Incendies </i>y una serie de películas independientes, Villeneuve sigue demostrando su profunda confianza en el cine moderno al brindar inteligencia a un drama sombrío y extremadamente tenso que no se digna a revelar todo; de hecho, el final es probablemente uno de los más audaces que hayamos visto en mucho tiempo, ya que incluso parece enredar más las cosas. Su precisión y control sobre el tono y estado de ánimo es impecable. Villeneuve sabe dónde colocar la cámara para lograr el mejor efecto y cuando ésta elige moverse a menudo produce escalofríos. </div>
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Por su parte, Jackman ruge con furia e intensidad al más puro estilo de Wolverine cuando cae por la frustración ante la ineficacia de la policía que trabaja en el caso de su hija. <i>Prisoners </i>es emocionalmente agotadora mientras la familia, los detectives y todos los involucrados pasan a través del filtro, pero es un viaje incontenible y convincente. A pesar de que Jackman es más que genuino a medida que, como padre, llega a los confines de su correa desgastada para encontrar a su hija, es Gyllenhaal en su papel del detective infatigable, quien se encarga del corazón de la película con una tenacidad apasionada pero controlada que nunca pide ser aplaudida como heroica.</div>
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Escrita por Aaron Guzikowski, su guión es equiparable al de <i>Black List</i> en el 2009 y es fácil ver por qué. Pero mientras es tensa y fascinante a la vez, uno de los problemas de menor importancia de la película es que tiene mucho camino por cubrir. Para su primera hora y media, <i>Prisoners </i>es de primera categoría, pero la credulidad se tensa ligeramente cuando los giros del laberinto del tercer acto se vuelven un poco complicados, aunque un final conmovedor y de infarto, más la intensidad del material, hace que salga triunfante a fin de cuentas.</div>
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Durante dos horas y media, <i>Prisoners </i>es agotadora y también un poco flácida al final, pero hay que darle crédito a Villeneuve por saber cuándo hay que relajarse y cuándo hay que apretar a lo largo del camino. A pesar de que algunos conceptos del crimen del segundo acto deterioran parte del ímpetu de la película, también son cruciales para las capas de este complejo thriller. Si bien es presumiblemente una película sobre los límites de un hombre para proteger a su familia, el drama en realidad termina pasando la batuta a la perfección al detective decidido que jura resolver el caso y llevar a las niñas de regreso a sus casas con vida. </div>
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Con un excelente elenco, cada actor trae su mejor jugada, pero Bello como la madre destruida y Davis como la mujer más respetada en una gran familia que pone su fe en Dover, son especialmente fuertes. <i>Prisoners </i>es difícil y cuenta con un tema desgarrador y es interesante ver cómo el público responde. La película es a menudo muy gráfica y perturbadora, pero su carácter inquebrantable le da un elemento memorable que no se olvidará pronto. Puede no ser la película para el espectador casual, pero es este tipo de cine y su narrativa que hace que mucha gente siga acudiendo a las salas año con año.</div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-77195544472056655952013-11-19T17:42:00.001-06:002013-11-19T17:42:37.917-06:00Crítica: Carrie <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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La última vez que vimos a Carrie White fue en un baño de sangre en la película de 1976 de Brian De Palma para después desaparecer por largo tiempo de la farándula. La adolescente atormentada de Stephen King demostró ser un alma inquieta y regresó en una película para la televisión en el 2002 y en 1988 con un musical de Broadway de corta duración, el cual fue revivido de nueva cuenta en el 2012.</div>
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Ahora <i>Carrie </i>está de vuelta en un buen y fiel remake dirigido por Kimberly Peirce y con Chloë Grace Moretz tomando el papel de la protagonista como diosa del gore. Es difícil mantener una franquicia bastante loca, especialmente una que se pueda adaptar a los temores de hoy en día. A diferencia de la película original, la adaptación de Peirce comienza con una desagradable escena con la madre de Carrie, Margaret (Julianne Moore) gritando por ayuda en una cama llena de sangre. </div>
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Hay una gran cruz por encima de la cama y algunas velas encendidas alrededor añaden un buen toque gótico a lo que rápidamente se convierte en una escena muy extraña en la que Margaret, a base de gritos escalofriantes, da a luz a una bebé. Después de ver a la niña acurrucada entre sus piernas, saca un par de tijeras de gran tamaño y parece que le quitará la vida, pero algo la detiene (¿intervención divina?) y en su lugar la abraza. Después nos enteramos que esta bebé es Carrie, una niña que Margaret tendrá que proteger hasta que la muerte las separe. </div>
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Y es que la madre, como la escena inicial sugiere, es una fanática religiosa de ambigua denominación que tiene el hábito desagradable de dañar su propio cuerpo con objetos afilados y pocos sutiles. Temerosa del mundo actual, ella mantiene a Carrie a raya y con ropa modesta. Como aparente prisionera de la locura de su madre, la niña no encuentra refugio en su escuela, donde las demás chicas se burlan de ella, incluso en la ducha, donde, después de que ella tiene su periodo por primera vez, recibe una lluvia de tampones y cánticos provenientes principalmente de sus compañeras Chris (Portia Doubleday) y Sue (Gabriella Wilde).</div>
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Kimberly Peirce ha dicho que su remake narra el origen de un nuevo superhéroe y de hecho, hay momentos en la nueva película que se sienten un poco como la siguiente entrega de <i>X-Men</i>, sobretodo cuando Carrie descubre que tiene un poder especial y aprende a usarlo, hay una escena en particular que demuestra este hecho cuando vemos flotando en todo su cuarto los libros de telequinesis que tomó prestados de la biblioteca.</div>
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La historia también se fortalece con el paso del tiempo. La <i>Carrie </i>original se puede ver como una alegoría universal de la adolescencia. ¿Quién no se ha sentido como un bicho raro en la escuela secundaria o ha fantaseado insolentándose después de ser herido o rechazado? Pero los acontecimientos más recientes, como la masacre de Columbine, han añadido resonancia al material original.</div>
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Peirce aprovecha al máximo este espíritu de la época al actualizar la historia para la era de Facebook y YouTube con la ayuda de los guionistas Lawrence D. Cohen, quien escribió la adaptación original de <i>Carrie</i>, y Roberto Aguirre-Sacasa, quizás mejor conocido como al que contrataron para arreglar el musical de Broadway llamado <i>Spider-Man: Turn Off the Dark</i> después de que Julie Taymor fuera despedida. Al principio de la película, en la escena famosa de la ducha, una compañera de clase inmediatamente saca su teléfono celular para grabar un video del suceso y ponerlo después en línea. </div>
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Hasta esa épica perturbación, <i>Carrie </i>sostiene el interés como un drama psicológico y paranormal con una resaca de melancolía que a veces se inclina hacia un verdadero rasgo conmovedor. La película nunca sacude la sensación de haber sido construida a partir de un modelo muy usado, pero eso no importa gracias a Peirce, quien tan poderosamente evocó el mundo interior de otro individuo torturado e incomprendido en la película de 1999 llamada <i>Boys Don’t Cry </i>y quien aquí ofrece un giro fresco e inteligente en ciertos aspectos de un gran cuento familiar. </div>
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¿Es <i>Carrie </i>una enorme mejora sobre la película original? No. La cinta de De Palma es un clásico y su tema de la intimidada convirtiéndose en la intimidadora aún resuena. Pero la nueva película, que incluye algunas de las mismas líneas de la original, además de un baño de sangre aún mayor al final, funciona para una nueva audiencia. Eso sí, algo que extrañamos bastante fue la fantástica música creada por Pino Donaggio en la versión original, pero es algo que podemos pasar por alto. </div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2257107541330551795.post-1807455566087573682013-11-12T10:07:00.001-06:002013-11-12T10:07:28.854-06:00Crítica: The Purge <div style="text-align: justify;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjN1jAPKwTBE6yB8jiSeNtyejtcudu-xM730gv_tMc3b07t0Pqk8cycCRM1bkzEMyy-nz3vrbLl4swnFUXVdi5nADQgkPFM46_WF3TDuDd7iCvHub5KZCPfOVRNF9FaqEXOi4cmPpZo8U/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjN1jAPKwTBE6yB8jiSeNtyejtcudu-xM730gv_tMc3b07t0Pqk8cycCRM1bkzEMyy-nz3vrbLl4swnFUXVdi5nADQgkPFM46_WF3TDuDd7iCvHub5KZCPfOVRNF9FaqEXOi4cmPpZo8U/s1600/1.jpg" /></a></div>
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Es raro que las películas de terror en estos días disfruten de grandes ideas. En su lugar, por lo general son una fórmula simple, basada en un marco conceptual rudimentario, con cámaras que capturan la actividad sobrenatural o con un loco que inventa trampas ingeniosas de tortura. Una de las cosas que hace a <i>The Purge</i> (una nueva película de terror sobre una sociedad utópica con un secreto muy oscuro) muy refrescante, es que en realidad se toma el tiempo para participar en algunas ideas realmente provocadoras y subversivas, y lo que es más, estos intereses temáticos nunca vienen a expensas de las emociones. <i>The Purge</i> se las arregla para ser inteligente y en el panorama actual de terror, esto es mucho más raro que una posesión demoníaca o que capturar un fantasma en video.</div>
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El escenario en <i>The Purge</i> es ingeniosamente simple: en algún momento en un futuro no muy lejano, una sociedad utópica ha surgido. Las personas se llevan bien, en paz y hay mucha tranquilidad, con bajas tasas de pobreza y delitos, esto por un periodo anual de doce horas llamado <i>The Purge</i> en donde cualquier crimen está permitido. Durante este periodo, los servicios médicos de emergencia y de policía se suspenden y cualquier fechoría que te imagines, inclusive la violación y el asesinato, está permitida. </div>
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Ethan Hawke interpreta a James Sandin, un hombre que vende e instala sistemas de seguridad para hogares. Él vive en un barrio residencial de clase alta con su esposa Mary (Lena Headey) y sus dos hijos, Zoe (Adelaide Kane) y Charlie (Max Burkholder). Los vecinos tienen un cierto grado de hostilidad contenida hacia la familia, ya que parecen estar prosperando mientras que las dificultades económicas más duras han caído sobre ellos mismos. Y es que, si por una noche del año, su casa tiene que ser transformada en una fortaleza, entonces probablemente tienen una vida bastante buena. Los Sandin se están preparando para una noche segura adentro de su mansión, mientras que los estragos de <i>The Purge</i> se desatan fuera de sus puertas cerradas.</div>
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Por supuesto, las cosas no salen según lo planeado y cuando un extraño (Edwin Hodge) se presenta en la puerta de su casa, Charlie, sintiendo simpatía, desactiva el sistema de seguridad para que el extraño se deslice dentro. Eso en sí es un problema, pero el más grande de ellos es que un grupo de maníacos de muy buen gusto, con máscaras que son caricaturas de sus rostros, aparece buscando al extraño. El líder del grupo es interpretado por Rhys Wakefield, mirando como si acabara de descargar el nuevo álbum de Vampire Weekend y hablando con unos escalofriantes buenos modales. Él exige que los Sandin liberen al hombre o de lo contrario conseguirán entrar a la casa y matarán a todos los que están vivos, incluyendo a los niños. <br />
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<i>The Purge</i> es una película de terror embotellada, la cual tiene lugar exclusivamente en la casa, lo que añade un nivel inquietante de tensión para fijar piezas que hubieran perdido su impulso si hubieran tenido lugar en un entorno más amplio. El escritor/director James DeMonaco, quien escribió el remake de <i>Assault on Precinct 13</i> (que también protagonizó Hawke), se las arregla para hacer preguntas morales y está dispuesto a hacer que nuestros supuestos héroes sean muy desagradables, todo ello a favor de las bases temáticas de la película. Es un paso valiente y brillante, ya que una versión más directa de esta historia se podría haber hecho con un atractivo más comercial y hubiera sido mucho menos interesante.</div>
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Sin embargo, DeMonaco nos entrega momentos importantes y hay una serie de grandes sorpresas que surgen a lo largo de los 85 minutos de la película. En todo el filme no hay ningún momento desperdiciado, lo cual es un buen camino a seguir, sobretodo con tanto producto inflado y demasiado largo de Hollywood en estos días, y Hawke logra anclar la película de una manera viable y emocional. Sin embargo, si hay una baja del tiempo de ejecución, podríamos decir que está en la caracterización. Tanto al hombre que la familia acoge y a las personas amenazando en la puerta no se les da ningún tipo de textura o matiz. Sólo se presentan, hablan un poco y se esconden o matan.</div>
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Tal vez esto se hizo para enfatizar el carácter aleatorio de <i>The Purge</i>, incluso si la sociedad dice ser más uniforme. Dentro de esta utopía, todavía es más claro quiénes tienen dinero y quienes no, y en esta noche en especial, todos los miembros de los estratos sociales se ven obligados a participar en un campo de juego similar. Pero, si bien puede enriquecer a la película en un nivel metafórico, en una narrativa pura esto decepciona. El hecho de que los personajes se lancen al azar juntos por el destino no quiere decir que no se merecen algún tipo de historia de fondo. Esto hubiera hecho que el último acto de la película se sintiera mucho más completo y que hubiera tenido más impacto.</div>
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No es que la falta de caracterización le quite mucho a <i>The Purge</i> y de hecho, la falta de detalles específicos hace que existan posibilidades para películas futuras de este mundo aparentemente interminable. Hay un par de veces cuando los personajes se refieren a <i>"Los Nuevos Padres de la Patria"</i> y es difícil no pensar en las otras historias que existen dentro de esta realidad. Tal vez sea debido a la gran cantidad de secuelas de <i>Paranormal Activity</i> y <i>Saw </i>que vimos en la última década, pero tal vez el aspecto más estimulante de <i>The Purge</i> es que podría ser el lanzamiento de la próxima gran franquicia de terror, en la que ideas subversivas son mucho más importantes que las cubetas sin fondo de sangre. </div>
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/13639129975848651528noreply@blogger.com0