Crítica: One Chance

A menos de que estés hecho de piedra, hay ciertas arias de Puccini que son fisiológicamente casi imposibles de escuchar sin conseguir un nudo en la garganta. En One Chance, esa arma de la ópera se implementa con la puntería experta de David Frankel, conocido por The Devil Wears Prada y Marley & Me. El director nos cuenta, de una manera emocional, la historia real de la estrella de Britain's Got Talent, Paul Potts, con una película que, a pesar de ser totalmente predecible, es del agrado de toda la audiencia.

La actuación del tenor británico Potts, Nessun dorma, en el episodio debut de Britain's Got Talent en 2007 ha sido vista más de 115 millones de veces en YouTube. Ese nivel de exposición indica que la audiencia principal de la película ya sabrá cómo le fue al vendedor de teléfonos celulares de Gales del Sur en la última etapa del concurso y más allá. Pero Frankel y el guionista Justin Zachman tienen éxito en la formación de un material atractivo de una historia con un resultado predeterminado.

Esto es una sorpresa dado el historial de Zachman con la manipuladora The Bucket List, que él escribió, y The Big Wedding, una vergüenza que él también dirigió. Su guión para One Chance presiona todos los botones obvios en la singularidad, y sin embargo, tiene suficiente corazón genuino para mantenernos enraizados con el protagonista. Se nutre de la vena del cine británico como The Full Monty y Billy Elliot, en la que los personajes, golpeados por la adversidad y la disminución de la autoestima, se elevan por encima de la realidad de sus entornos, en este caso una pequeña ciudad industrial de Gales.

Gran parte del encanto de la película proviene de la actuación de James Corden como Potts. El actor es conocido por Gavin & Stacey y por su trabajo en The History Boys y One Man, Two Guvnors. Paul es un hombre con un corazón puro, aferrado a un sueño que muere y se regenera varias veces, y Corden juega con este material, potencialmente empalagoso, con el toque de luz ideal. Intimidado desde la infancia por su gordura y su amor por el canto, Paul presenta su vida como un drama sin fin lleno de música, violencia, romance y comedia. Su novia de Internet, Julie-Ann (Alexandra Roach), le da las agallas suficientes para ir a una escuela de ópera de Venecia, pero sus nervios lo traicionan en una clase magistral con su ídolo Pavarotti, cuya devastadora evaluación extingue la luz de Paul por un tiempo.

La depresión de Paul le provoca problemas con Julie-Ann, principalmente porque los convenios de los guiones dictan que es necesario que haya algún tipo de conflicto en el camino al matrimonio. El patrón de toda la cinta es que cada paso que se da adelante es seguido por una nueva desgracia que hacen a un lado las ambiciones de canto de Paul, pero su mayor obstáculo es la falta de confianza. Frankel sabiamente no se detiene en la experiencia de Britain’s Got Talent, que se recapitula usando clips reales del panel de jueces, sino que se centra más en el camino lleno de baches que llevó a Paul a los focos de la televisión. 

Aunque algunos detalles del pasado de Potts fueron cambiados, su vida familiar antes del matrimonio revela un apoyo incondicional de su alegre madre (Julie Walters) y de su quejumbroso padre (Colm Meaney), un obrero metalúrgico. Ambos actores son divertidos a pesar de una gran cantidad de pleitos que suceden dentro de la cinta. En términos de proporcionar comedia y contexto, los roles están bien dibujados, como lo demuestra el mejor amigo y cotrabajador de Paul en la tienda de celulares, interpretado por Mackenzie Crook.

Pero la relación que es clave para el éxito de la película es la que existe entre Paul y Julie-Ann, quienes logran una interpretación cautivante, llena de humor suave. Su primera reunión cara a cara, es uno de los episodios más hermosos del filme, impecablemente interpretado por ambos actores. Junto con la selección aleatoria habitual de canciones contemporáneas, One Chance está llena de magníficos fragmentos de ópera, incluyendo las voces del verdadero Potts que Corden logra sincronizar perfectamente con sus labios.

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Crítica: Bajo la Misma Estrella

Lo más probable es que no quieras ver Bajo la Misma Estrella con alguien a quien quieras impresionar, ya que acabarás, ya sea en un río de lágrima o bien, con los ojos secos y convenciendo a la otra persona de que eres un psicópata. Esas son las únicas dos opciones. Este drama es una entrada destacada en un subgénero tristemente dominado hasta ahora en gran parte por películas como Love Story y las adaptaciones de Nicholas Sparks. Basada en la novela juvenil de John Green, la cinta logra trascender esas películas con una sólida dirección de Josh Boone (Stuck in Love), un guión de Scott Neustadter y Michael H. Weber (The Spectacular Now) que da en el clavo y un elenco casi perfecto.

Pero Bajo la Misma Estrella no es sólo una película para los adolescentes que buscan una conexión emocional más allá de SnapChat. Desde el principio, la protagonista Hazel Grace (Shailene Woodley) de 17 años de edad, se ve obligada por su madre (una absolutamente maravillosa Laura Dern) a asistir a un grupo de apoyo para niños que luchan contra el cáncer, y en medio de las historias inspiradoras conoce a Augustus Waters (Ansel Elgort) de 18 años de edad. Ellos aprecian inmediatamente el enfoque no siempre tan brillante y mutuo de vivir con la enfermedad. Hazel tiene cáncer en la tiroides, que ha establecido su residencia en sus pulmones y que la hace cargar con un tanque de oxígeno a donde quiera que vaya. Por su parte, Augustus está en remisión de osteosarcoma, pero el cáncer se llevó su pierna de atleta. Él cae rápido y duro por Hazle, pero ella insiste en ser solo amigos para no causar dolor a nadie más.

Los dos se vinculan gracias a su visión atípica de la enfermedad y por el gusto del libro favorito de Hazel, An Imperial Affliction. La película hace que admiremos a la protagonista por su ingenio e inteligencia al igual que lo hace Augustus. No debe sentirse revolucionario tener un personaje femenino joven así en una película como ésta, pero Hazel es refrescante, aunque sus intercambios con Augustus a veces se sienten demasiado guionizados y muy ingeniosos como para ser verdad. Los fans del libro estarán estar contentos con qué tan cerca la adaptación se ciñe a la historia original. Hay pequeños cambios que agilizan la narración, pero el corazón del libro late con fuerza en la pantalla. Con sus guiones anteriores para The Spectacular Now y 500 Days of Summer, Neustadter y Weber ofrecen miradas atípicas al joven romance, y Bajo la Misma Estrella encaja bien con eso, ya que cuenta una historia de amor no estándar con grandes personajes.

Esos personajes son a su vez reforzados por los actores que los interpretan. Woodley se está convirtiendo en una de las actrices ideales para heroínas atípicas y no recibe ninguna queja por parte de nosotros. Ella capta la fuerza y debilidad de Hazel igualmente bien, interpretando a un complicado e imperfecto personaje que cautiva bastante. También quedamos encantados por Elgort; si sus líneas fueran dichas por otros actores menos talentosos, podríamos solo haber girado nuestros ojos en lugar de suspirar, pero afortunadamente ese no fue el caso. Junto con los esfuerzos desgarradores de Dern como la madre de Hazel, la estrella de True Blood, Sam Trammel, realiza una increíble labor como el padre. A pesar de que no sale tanto a cuadro, es interesante ver lo que hace cuando no está rodeado de vampiros y hombres lobo. Como el único amigo de Hazel y Augustus del grupo de apoyo, Nat Wolff (Palo Alto) es ingenioso al comunicar sus emociones de manera clara a pesar de tener que usar gafas de sol a lo largo de la película debido al cáncer en sus ojos.

Bajo la Misma Estrella gana puntos por ser más compleja y estilizada que la mayoría de las películas parecidas. Muchas cintas con esta clase de audiencia son sentimentales y manipuladoras, pero el filme de Boone nunca se siente como si estuviera intentando demasiado fuerte ganarse nuestras lágrimas o, en alguna ocasiones, risas. Te hará sentir como si te hubieran golpeado en el estómago pero al mismo tiempo reconoce que puede haber humor incluso en las peores situaciones. Es una entrada superior a la media en el género, ampliando su audiencia más allá de sólo los adolescentes, los fans de la novela original y los amantes de un buen llanto.

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Crítica: Transcendence

La mejor manera de describir Transcendence, el primer largometraje dirigido por el director de fotografía de Christopher Nolan, Wally Pfister, es pensar en ella como un complemento de la película de romance de una inteligencia artificial de Spike Jonze llamada Her. Ambas cintas se llevan a cabo en un futuro no tan distante, en donde la línea entre la tecnología y la conciencia humana se ha vuelto infinitamente delgada. En las dos, un protagonista humano se enamora de una entidad digital, cuyo estado ontológico no es muy claro: ¿es una persona, sin un cuerpo vivo, cuyos recuerdos, pensamientos y sentimientos son codificados como datos en una máquina, una persona? En ambas películas, las consecuencias de este intento de amar a través de la barrera hombre-máquina son imprevisibles, de largo alcance, y potencialmente destructivas para el mundo civilizado.

Transcendence no es tan elegante, ingeniosa o perspicaz como Her. Pfister y el guionista Jack Paglen lidian de manera pesada con los problemas éticos y filosóficos en la premisa de la película. En realidad, ésta comienza bien, con una historia de ciencia ficción bastante ambiciosa, hasta que llega el desarrollo sin sentido del último acto, donde el filme se cae a pedazos. Johnny Depp interpreta a un visionario tecnológico solitario de nombre Will Caster, quien junto a su brillante y amada esposa Evelyn (la esbelta Rebecca Hall) ha creado una supercomputadora de nombre PINN, la cual está conformada por un cuarto entero lleno de servidores y procesadores que intenta emular la conciencia humana.

Las únicas dos personas vivas lo suficientemente listas para entender esta tecnología son el neurobiólogo amigo de los Caster llamado Max (Paul Bettany) y su antiguo colega Tagger (Morgan Freeman), un guru de la inteligencia artificial en un laboratorio de ciencia por computadora. Mientras que los Caster están dando una plática sobre las emocionantes implicaciones del mundo real de sus avanzados descubrimientos, el laboratorio de Tagger es destruido y su equipo completo es asesinado en una ataque de un grupo terrorista dirigido por una rubia decolorada Kate Mara, a quien muchas reconocerán de House of Cards.

En un segundo y casi simultáneo, ataque terrorista, Will es rozado por una bala que ha sido mezclada con radiación, haciendo que le queden pocas semanas de vida. Evelyn, que trabaja para salvarlo por todos los medios necesarios, hace una propuesta desesperada como último recurso: antes de que Will muera, codificarán su función cerebral, incluida su memoria, sus emociones y su lenguaje, en los servidores de PINN, para que su conciencia pueda vivir después de que su cuerpo físico esté muerto.

Suena como a un buen plan ¿verdad? Sin embargo, como Victor Frankenstein puede atestiguar, usurpar el lugar de Dios como el creador de la vida tiene una manera diferente de funcionar a como uno pensaría. A sólo unos minutos después de entrar en línea después de su muerte corporal, Will, a primera vista sólo como una línea de texto en una pantalla de computadora, solicita acceso a la información sobre el sistema bancario mundial y las bases de datos educativas. Estas luces de alerta pasan desapercibidas por el éxtasis de Evelyn, cuya alegría de reencontrarse con su amado es tal que destierra a su colaborador, Max, cuando expresa su escepticismo sobre los motivos de cualquier cosa o persona que está haciéndose pasar por Will.

En la segunda mitad de la película, Evelyn, quien se convierte en una de las mujeres más ricas del mundo gracias a las artimañas de Will, se muda a un pueblo desierto llamado Brightwood para construir un recinto científico en forma de secta que albergará la siempre en expansión y ambiciosa conciencia de su difunto marido. Es en estas escenas en donde Pfister presume los efectos a gran escala que mostró en las películas de Nolan como Inception y The Dark Knight. Muchos de ellos son espectaculares para la vista y el motor de romance que mueve la cinta hacia delante no es ni insulso ni sentimental.

Dejando a un lado los elementos de ciencia ficción, Transcendence cuenta la historia de una mujer compulsiva atrapada en una mala relación con un hombre muy poderoso, una situación que puede influir en el drama incluso si el hombre en cuestión no evoluciona a la velocidad de la luz en una conciencia digital omnisciente. Sin embargo, los últimos 20 minutos echan todo a perder, ya que probablemente nos llevan más a territorio de Nicholas Sparks de lo que probablemente el director tenía planeado y derrocha mucha de la buena voluntad del espectador en el camino.

Transcendence plantea una pregunta más ominosamente que Her en el pasado y que muchos esperamos que futuras películas de ciencia ficción aborden: si tu amante virtual hiperconectado te puede observar a cada minuto mientras duermes, mientras conduces, comes a solas en una habitación con su imagen flotando en una pantalla ¿cuál es la diferencia entre la devoción y la vigilancia? Hubo un toque de terror psicológico en las escenas finales entre la Evelyn desencantada y el cada vez más controlante Will que hacen pensar que Pfister pudo haber tenido un muy buen thriller de ciencia-ficción con él. 

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Crítica: X-Men: Days of Future Past

X-Men: Days of Future Past no se siente como una película de superhéroes, al menos no en el sentido tradicional. Sí, hay escenas de acción, pero muchas están cubiertas con poca utilidad. Las batallas se convierten en masacres con los "chicos buenos" en el lado equivocado de la carnicería. Una bocanada del apocalipsis flota en el aire, lista para descender y borrar todo. No había sido desde The Dark Knight Rises que una película con personajes heroicos familiares tomara ese camino sombrío y poco convencional. Para reiniciar la franquicia de X-Men, el director Bryan Singer, quien dio vida a estos personajes en la pantalla grande hace 14 años, decidió elaborar una compleja y continua pesadilla, pero que al final resulta ser bastante efectiva.

X-Men: Days of Future Past corresponde más al género de ciencia ficción que al de acción sacada de un cómic. Las influencias de Terminator son inmediatamente obvias. Atrapados en un 2033 devastado por la guerra, los X-Men se enfrentan a la aniquilación provocada por los Centinelas, enormes criaturas de guerra creadas con un propósito: acabar con todos los mutantes y con todos aquellos que los ayuden. La Tierra se ha convertido en un campo de muerte gigante. Los X-Men, incapaces de derrotar a los Centinelas, colocan todas sus esperanzas en un último esfuerzo: enviar a uno de los suyos al pasado para evitar su creación. El único que podría ser capaz de sobrevivir a dicho viaje en el tiempo es Wolverine (Hugh Jackman) debido a sus poderes de regeneración, por lo que al final es él el elegido. 

Su mayor desafío demuestra que no solo debe detener al creador de los Centinelas, Boliver Trask (Peter Dinklage), sino reunirse con los Charles Xavier (James McAvoy) y Magneto (Michael Fassbender) de 1973 para trabajar juntos y salvar el futuro. En la mira se encuentra la cambiaformas de piel azul Mystique, a quien deben detener de matar a Trask para que los hechos desastrosos en el futuro no se lleven a cabo, ya que es gracias a su ADN que los Centinelas pueden transformarse a placer en cualquier mutante, lo que los convierte en seres prácticamente inmunes. Para Xavier, eso significa tratar de convencerla de no cometer dicho delito. Para Magneto, se traduce en simplemente matarla para evitar la catástrofe y para Wolverine, atrapado en el medio, la situación se vuelve cada vez más desesperante.

Sería justo categorizar la historia de X-Men: Days of Future Past como "densa". No es una de esas tramas que complace a la pereza intelectual. Los relatos de viajes en el tiempo, incluso aquellos que se rigen por un conjunto establecido de reglas, son siempre un reto. Hay batallas y escenas de acción en abundancia, pero, con excepción de una secuencia juguetona que ofrece un mutante veloz llamado Quicksilver (Evan Peters), la mayoría están impregnadas de un sentido de desesperación. No hay grandes momentos de triunfo heroico y la victoria viene de algo más existencial que de darle una paliza a un chico malo.

Tampoco existe un único villano que sea fácilmente identificable. En 2023, los Centinelas llevan el manto, pero son exterminadores implacables: máquinas sin alma o conciencia. En 1973, según el momento, se puede ver a Trask, Magneto, Mystique, o incluso a Xavier como el antagonista, pero todos tienen razones legítimas para su comportamiento. Trask busca la paz, Magneto lucha por la salvación de su especie, Mystique quiere venganza contra alguien que sacrifica a sus amigos y Xavier desea la liberación del dolor. También existe un mensaje dentro de X-Men: Days of Future Past. La creación y aceptación de los Centinelas representa el deseo de ceder la libertad por la seguridad y tiene consecuencias trágicas. Éste no es un mensaje único, sobretodo en películas de ciencia ficción, pero Singer hace un buen trabajo al transmitirlo sin llegar al sermoneo.

A este director, quien regresa a X-Men después de una ausencia de 10 años, se le dio la tarea de completar un reboot que inició con X-Men: First Class. Para lograrlo, tomó una página del manual de Star Trek de J.J. Abrams y usó el viaje en el tiempo y el concepto de multiversos, así como caras conocidas para brindar un poco de vinculación, como por ejemplo Hugh Jackman como Wolverine, Patrick Stewart como el Professor X e Ian McKellan como el Magneto de edad adulta. Para aquellos que sintieron que X-Men: The Last Stand fue una pobre salida para muchos de estos personajes, X-Men: Days of Future Past será capaz de calmar un poco la herida. 

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Crítica: Maléfica

Como una combinación visual de Walt Disney, James Cameron y Arthur Rackham, Maléfica es uno de los espectáculos más notables de la actual época de efectos especiales por computadora, los cuales, para esta cinta, fueron creados por Robert Stromberg. Gran parte de la película se lleva a cabo en una tierra de hadas que gradualmente se transforma en oscuridad, mientras que el resto lo hace desde un castillo corrupto que parece salido de Game of Thrones.

Sin embargo, el efecto visual más grande y eficaz en Maléfica es la sarcástica Angelina Jolie en el papel de la protagonista, quien actúa como una hada traicionada y vengativa que seguro impresionará a todas las chicas adolescentes que la vean. Sí, su escultural figura y rostro reconocible fueron mejorados con la magia digital. Sus pómulos reales, aunque impresionantes, no son tan exagerados y el brillo verde en sus ojos es artificial, además de que tampoco tiene cuernos en la vida real. Sin embargo, la majestuosa postura, el dolor interiorizado, el orgullo herido y el acento inglés combinado con la pantomima de la villana, todo ello es propio de Jolie.

Muchos críticos están otorgando calificaciones mediocres a Maléfica y entiendo perfectamente por qué. La película es un revoltijo estilístico, en donde casi todo lo que contiene se asemeja de una u otra manera a las numerosas cintas y series de televisión de fantasía de los últimos 15 años. Pero la audiencia a la que Disney se está enfocando con este filme no son los periodistas de mediana edad, sino las chicas que están en una etapa temprana de la adolescencia, e incluso novios, padres y hermanos, quienes disfrutarán de una fábula ligeramente subversiva de venganza y solidaridad femenina. 

La veterana guionista de Disney, Linda Woolverton, tiene una mano experta en este género y tipo de audiencia; al fin y al cabo, ella fue quien escribió Beauty and the Beast, The Lion King y la adaptación de Alice in Wonderland de Tim Burton. Pero esta película se siente especialmente como una labor de amor. Es fácil criticar a la casa de Mickey Mouse por sus crímenes ideológicos y estéticos durante décadas, pero en la era de John Lasseter, las películas de Disney han hecho un esfuerzo concertado para representar a los personajes femeninos desde una perspectiva diferente, convirtiéndolos en protagonistas de sus propias historias en lugar de inocentes y virginales amas de casa o intrigantes brujas. No me malinterpreten, Blancanieves es un gran largometraje y un hito en la historia de la animación, pero ¿qué es lo primero que ella hace cuando se muda a casa de los enanos? Lavar los platos.

Maléfica se aleja totalmente de eso. Interpretada como una niña por Isobelle Molloy y después por Ella Purnell, ella comete el grave error de enamorarse profundamente de un chico llamado Stefan, proveniente del reino humano contiguo, el cual está plagado, por supuesto, de corrupción y mentira. Esta acción no termina solo en angustia, sino también en un terrible acto de traición, una violación metafórica que oscurece repentinamente el humor de la película. Hay muchas maneras de interpretar lo que sucede entre Stefan y Maléfica: por un lado, las personas aburridas pueden reclamar que esta película enseña a las niñas a odiar y temer a los niños, mientras que otras (igualmente aburridas) pueden verlo como un argumento a favor de la castidad. Una tercera lección mucho más simple también está disponible: las niñas no deben sacar su autoestima de los niños y las promesas de amor verdadero, a pesar de ser seductoras en el momento, no son de fiar. 

Después de cometer este terrible acto, Stefan llega al trono de su reino y tiene una hija; como muchos podrán recordar de narraciones anteriores de la historia, Maléfica aparece sin ser invitada en el bautizo con un regalo inesperado. Sabemos a dónde va todo esto, o al menos lo hacemos en su mayoría. Pero Jolie domina cada escena en la que aparece, incluso cuando la historia revierte la fórmula, ya que el guión de Woolverton tiene algunos trucos bajo la manga. Es perfectamente cierto que Elle Fanning impresiona poco en el papel de Aurora, al igual que Sharlto Copley, el rey Stefan, o incluso el mismo trío de hadas cómicas (Lesley Manville, Imelda Staunton y Juno Temple) pero ninguno de ellos es el verdadero héroe o villano de la trama.

Las palmas de la película se las lleva Jolie y a pesar de que Maleficent sí falla en varios aspectos, al final es una aventura amigable que sugiere que a veces el amor puede convertirse en una trampa, pero su principal lección nos dice que las familias que construimos y descubrimos mientras crecemos pueden ser mejores, en algunas ocasiones, que incluso aquellas en las que fuimos criados. 

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Crítica: Godzilla (2014)

Godzilla se ha encargado de destruir Tokio, hacer el ridículo en Nueva York y asociarse con un lindo compañero para una serie de dibujos animados que es mejor olvidar. Ahora, el enorme y verde reptil recibe un tratamiento 3D de enorme presupuesto cortesía del director británico, Gareth Edwards, quien impresionó a varios con su película de ciencia ficción y drama, Monsters, en el 2010.

Si todo lo que necesitas para pasar un buen rato gira en torno a criaturas realizadas por computadora que voltean a la cámara para dar un rugido estremecedor, entonces estás de suerte; de lo contrario te encontrarás bastante decepcionado con esta nueva película, la cual inicia con fuerza gracias a varias escenas inquietantes de pruebas nucleares en el Pacífico, seguidas de una secuencia trágica en una planta de energía que hace eco de la cinta original de 1954 tras la angustia atómica de Hiroshima.

Avanzando 15 años en el futuro, nos encontramos con el ingeniero en jefe Joe (Bryan Cranston) obsesionado con las teorías de conspiración sobre el accidente, mientras que su distanciado hijo Ford (Aaron Taylor-Johnson) trata de traer a su padre de vuelta a la realidad. Pero entonces, algo se agita en las profundidades.

Edwards prueba que es un genio absoluto cuando se trata del diseño de criaturas. El propio Godzilla es grueso, táctil y agradablemente anticuado, sobretodo en comparación con la versión de Roland Emmerich de 1998, mientras que sus adversarios, como el alado insectoide Muto, son deliciosamente grotescos. Pero en su manejo de la narrativa parece no estar tan seguro de sí mismo: después de un par de escenas de acción, Godzilla se asienta como una película sencilla de persecución a través del Pacífico bastante estándar, con los monstruos viajando de Japón a Honolulu y, finalmente, a San Francisco.

El guión es poco original y extrañamente sin sentido del humor, y la caracterización es débil: los actores, como Ken Watanabe y Sally Hawkins, solo se encargan de abrir la boca de asombro y parlotear sobre diferentes ideas para hacer frente a las criaturas, mientras que un desabrido Taylor-Johnson es colocado incorrectamente como el héroe de mandíbula cuadrada del filme. Siempre es divertido ver monstruos escamosos y gigantes del tamaño de un rascacielos arrasar con la civilización, pero algo de drama un poco más humano hubiera sido bastante bienvenido.

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Crítica: Non-Stop

Non-Stop (Sin Escala) es un thriller de acción que realmente hace honor a su nombre. En la década de los 50, su estrella pudo haber sido Edmond O’Brien, un actor americano quien tuvo algunos roles protagónicos, como el de aquel hombre envenenado en D.O.A. que luchaba contra el reloj para encontrar a su asesino en un ambiente creciente de desesperación. Liam Neeson crea un circuito frenético similar en Non-Stop, interpretando a un agente aéreo que intenta ser más listo que un criminal que promete matar a un pasajero cada 20 minutos en el vuelo en el que ambos se encuentran.

Al inicio de la película, la imagen de Neeson mezclando un trago mañanero en su camioneta con un cepillo de dientes, nos recuerda al piloto alcohólico de Denzel Washington en la película del 2012, Flight. Sin embargo, el personaje de Neeson, Bill Marks, es un poco menos complicado. Él es un policía aéreo con un pasado aparentemente triste y una cara flácida, con una conducta que indica una constante angustia. Lo que complica esta bebida mañanera es que cuando el director, Jaume Collet-Serra, se detiene en el rostro de Neeson, hay una clara invitación a especular sobre si la inquietante mirada del actor viene de su actuación o de su vida.

Al poco tiempo, Bill comienza a moverse, dando un paseo por el aeropuerto, perfilando los posibles problemas e instalándose en una de las clases más elegantes del avión. Al momento en que las señales de abrocharse los cinturones de seguridad se prenden, el señor Collet-Serra se encarga de introducir, de manera eficiente, a un puñado de caras conocidas, incluidos los héroes y villanos potenciales, como por ejemplo a Julianne Moore, Corey Stoll, Michelle Dockery, Scoot McNairy, Lupita Nyong'o, Linus Roache y Shea Whigham. Se trata de un conjunto de razas bastante variado que funciona de manera eficiente, especialmente porque expande las opciones narrativas.

Bill no es un héroe predecible, al menos inicialmente, sino más bien un humano palpable y poco fiable que sacude el miedo durante el despegue y luego se encierra en el baño para poder fumar gracias a que coloca cinta adhesiva en los detectores de humo. También disfruta del alcohol como un hombre que muere de sed, delatando una lucha por el control de sí mismo y de lo que sugiere un mundo de dolor.

También se le nota demasiado inquieto para ser un tipo capaz de portar un arma, que se suma a la sensación de inquietud una vez que empieza a recibir mensajes de texto de alguien que amenaza con matar a los pasajeros a menos que deposite 150 millones de dólares en una cuenta en específico. Bill comienza a planear estrategias, pero mientras él parece bastante capaz, al mismo tiempo es un manojo de nervios muy susceptible que hace que su estado de salud mental sea una especie de misterio secundario paralelo.

Escrita por John W. Richardson, Chris Roach y Ryan Engle, Non-Stop funciona mejor antes de que sus secretos sean revelados. Collet-Serra, quien también dirigió a Neeson en Unknown, crea un ambiente sobrio y un ritmo rápido de manera temprana. Pero también arroja un poco de comedia, para que de este modo, la inherente claustrofobia del escenario no se vuelva tan opresiva de inmediato. Las paredes metafóricas necesitan cerrarse lentamente y no de golpe. El desarrollo de la trama, con el zigzagueo implacable de Bill a lo largo del avión y el trabajo ágil de la cámara, crea tanto ímpetu que pronto te olvidas qué tan cerrado es el espacio, aunque Collet-Serra nos lo recuerda en varias ocasiones, como en una pelea a muerte en uno de los sanitarios.

En muchas escenas, Non-Stop no tiene ningún sentido, pero eso es de esperarse. Mucho se ha escrito sobre la sorprendente resurrección de Liam Neeson como un viejo héroe de acción, que en algunas ocasiones ha sido más gratificante en lo teórico que en lo cinematográfico. Sin embargo, Collet-Serra cumple esa promesa con un género seguro y real adjunto al sentimiento que Neeson lleva a la pantalla grande en esta etapa de su carrera, con ese cuerpo aún imponente que se mueve con la pesadez y grandeza de un antiguo guerrero levantando su espada por última vez. 

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